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Hayden kho and vicky belo sex scandal. Esto nos las hace menos reales o impactantes. Toni ya había trabajado con bailarines sin preparación profesional, así que sabía cómo enseñarme a improvisar mis pasos. Luego los editó, seleccionó los mejores, los pulió un poco y empezó a ordenarlos en una secuencia.

Tardamos varias semanas en conseguir que los movimientos encajaran bien. Talking Heads grabó otro disco, Speaking in Tongues, hecho con un proceso muy similar al de Remain in Light, aunque esa vez sin Eno.

Pensando en qué tipo de actuaciones y gira subseguirían decidí aplicar mis percepciones sacadas de Japón, de Bali y de la iglesia gospel. En retrospectiva, la anterior música de fetiche joan jett para myspace con una gran banda había sido un work in progress.

Decidimos que esa vez todos llevaríamos indumentaria gris neutro. Me había dado cuenta de que sobre el escenario uno destaca si lleva atuendos blancos o de colores vivos o desaparece si lleva colores oscuros.

Escondimos los amplis de guitarra bajo la tarima donde tocaba la banda telonera, así tampoco eso se veía. Nosotros evitamos ese problema. En todas nuestras giras música de fetiche joan jett para myspace habíamos mantenido el dogma de iluminación del CBGB: luz blanca encendida al empezar el concierto, y apagada al final, pero me pareció que había llegado el momento de apartarse un poco de aquello. Seguí limitando música de fetiche joan jett para myspace iluminación al blanco, pero un blanco con todas sus posibilidades, permutaciones read more combinaciones.

Convoqué a una diseñadora de iluminación, Beverly Emmons, cuyo trabajo había visto en una obra del director Robert Wilson. Yo estaba entusiasmado con la escena teatral del downtown neoyorquino. Invité a JoAnne Akalaitis, una de las directoras implicadas en Mabou Mines, a presenciar nuestros primeros ensayos y a tomar notas.

Mostraría cómo estaba hecho todo y cómo se había armado. Llevar ese here a su conclusión lógica significaba empezar con un escenario desnudo. La idea era que contemplaras el espacio vacío y te imaginaras las posibilidades. Esto se hacía poniendo el equipo de cada uno en plataformas rodantes, ocultas entre bastidores.

¿De qué banda serías un integrante?

Los tramoyistas hacían salir también elementos escénicos y de música de fetiche joan jett para myspace candilejas, focos con pie como los que usan en cine, proyectores de diapositivas sobre andamios.

A veces, esos instrumentos de iluminación eran usados justo después de aparecer, de manera que podías ver inmediatamente qué hacían, qué efecto causaban. Cuando finalmente todo estaba en su lugar veías todos los elementos música de fetiche joan jett para myspace te habían ido mostrando en conjunción uno con música de fetiche joan jett para myspace. El mago enseñaba cómo se hacía el truco y luego hacía el truco, y yo creía que esa transparencia no mermaba la magia. Bueno, esa era la idea. A los espectadores les gusta oír canciones que ya han oído, y aunque conozcan bien las versiones grabadas aprecian escuchar en un nuevo contexto lo que ya conocen.

No quieren una reproducción inmaculada del disco, lo quieren deformado de alguna manera. Como intérprete, esto puede resultar frustrante. Parece una situación injusta.

Nunca irías a ver una película esperando pasarte la mitad de la velada viendo una repetición de escenas conocidas con los mismos actores, con solo unas pocas escenas nuevas intercaladas.

Y acabarías aburriéndote de un artista visual o de un escritor que meramente repitiera obra anterior suya, con poca variación. Pero a veces esto es exactamente lo que la gente quiere. No es un ejercicio click to see more memorización, o no debería serlo. L un estupendo actor de la Ópera de Pekín, a ver lo que hacíamos. No había asistido nunca a un concierto pop occidental, aunque creo que había visto cosas en televisión. Al día siguiente quedamos para comer después del concierto.

Les das una pista y atraes su atención hacia ti y tienes que saber cómo hacer esto de una manera que no sea obvia o hacia quien sea que see more a hacer esa cosa especial.

Parece que ser pillado por sorpresa no es bueno. He cometido este error muchas veces.

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Hay dos. Lo mismo puede pasar en el escenario. Todos los ejecutantes lo hacen así. Si una noche algo nuevo funciona, pues bueno, incorpóralo al repertorio.

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Trabajaban duro, y Lemmy se rehusaba a darse por vencido, incluso cuando su salud empezó a fallar. Asimismo, se podrían apreciar pasajes armónicamente complejos. Separar el cuerpo de la cabeza parece haber sido una consecuencia intencionada: para que algo sea tomado en serio, no pueden verte bailando a su son. Las partes por debajo del cuello son social y moralmente sospechosas. El hecho de que fuera extremadamente innovador y al mismo tiempo hubiera sido creado para ser bailado supuso, para los sofisticados del siglo XX, una especie de disonancia cognitiva. El fonógrafo de la sala de estar se convirtió en otro auditorio; para mucha gente reemplazó a la sala de conciertos o el club. Las dos exigencias me parecen injustas. Los micrófonos que grababan a los cantantes cambiaron su forma de cantar y su forma de tocar los instrumentos fig. Los cantantes ya no necesitaban potentes pulmones para tener éxito. Chet Baker cantaba incluso en susurros, como Jodo Gilberto y millones de otros después. Para un oyente, esos tipos susurran como un amante, pegados a tu oreja, y entran completamente en el interior de tu cabeza. No hace falta decir que sin micrófonos no se habría percibido en absoluto esa intimidad. La tecnología convirtió la sala de estar o cualquier bar con gramola en una sala de conciertos en la que a menudo se bailaba fig. El rugido del heavy metal suele funcionar. Imponentes progresiones de acordes podrían sobrevivir ahí, pero el funk, por ejemplo, rebotaba en las paredes y el suelo y resultaba caótico. La sutileza del ritmo se perdía aunque algunos grupos funky perseveraron porque esos conciertos tenían tanto de encuentro social, de ritual y de oportunidad para conocer gente, como de evento musical en sí. Para mis oídos es una banda sonora para un encuentro de masas, y escucharla en otro contexto evoca el recuerdo o la expectación de ese encuentro: un estadio dentro de tu cabeza. Diría que el espacio de audio en un coche con esos altavoces obliga a un tipo muy diferente de composición. Ese cordón umbilical ha sido cortado. Otra nueva sala de conciertos ha llegado fig. Puedes oír cómo el cantante aspira aire o toca con los dedos la cuerda de la guitarra. La directriz aquí es: volumen estable pero numerosos detalles. Si algo de eso existe, lo desconozco. En muchos sentidos hemos vuelto al punto de partida. También se extiende al mundo natural. Así que la evolución y la adaptación musicales es un fenómeno intraespecie. Lo genial —el surgimiento de una obra realmente extraordinaria y memorable— parece emerger cuando algo encaja a la perfección en su contexto. Cuando algo funciona no nos da solo la impresión de brillante adaptación, sino también de emocionalmente relevante. Es como si un color del espectro visible hubiera sido eliminado del paisaje. Pero estaba muy lejos de ser el primero en imaginar que edificios y recintos naturales podían ser considerados instrumentos. Y, tal como sugiere Waller, la prevalencia de eco en estos sitios no es una coincidencia; el sonido fue el motor para designar un espacio sagrado. Como era de esperar, produjo similares efectos de gorjeo, a veces con cambios de tono que abarcan hasta media octava. Es realmente como si un edificio cantara[7]. AA , fue diseñada para desorientar al visitante. Todos hemos oído hablar de salas de concierto diseñadas para que una persona cantando o hablando desde el centro del escenario pueda ser oída, sin amplificación, en la otra punta. Pero para la voz y para instrumentos que imitan la voz humana, tal ambiente ofrece la clase de espacio sagrado que los humanos han encontrado atractivo durante miles de años. Los intérpretes o el compositor pueden introducir cambios en la partitura en fecha posterior, pero la composición se hace en su mayor parte sin la participación de los intérpretes. Bueno, al menos eso me pareció a mí. Era un excéntrico popurrí, pero nada aburrido. En aquel tiempo yo era increíblemente tímido, y seguí siéndolo durante muchos años, así que cabía preguntarse y la gente se lo preguntaba qué carajo hacía un introvertido insociable como yo poniéndose en evidencia sobre el escenario. En esa época yo no me hacía ese tipo de preguntas. En retrospectiva, supongo que como. Un estudio de Félix Post para el British Journal of Psychiatry de decía que el 69 por ciento de los individuos creativos que había estudiado padecía trastornos mentales[1]. Por supuesto, esto abona el mito del artista pirado y poseído por demonios, y realmente espero que no haga falta estar chalado para ser creativo. Cuando a principios de los años setenta estaba en escuela de bellas artes empecé a actuar con un compañero de clase, Mark Kehoe, que tocaba el acordeón. Busking, tal como llaman en Gran Bretaña a tocar en la calle. Por entonces ya teníamos imagen propia; una variación de inmigrantes del Viejo Mundo, supongo que se podría describir así. En aquellos tiempos yo llevaba una barba descuidada, y en una ocasión un jovencito negro me preguntó si yo era uno de esos que no iba nunca en coche. A veces, Mark tocaba un instrumental mientras yo hacía poses ridículas, como quedarme doblado inmóvil sobre una sola pierna, por ejemplo. Nos dimos cuenta de que en poco tiempo ya podíamos juntar suficiente pasta para pagarnos la comida y la gasolina de un viejo coche que yo me había agenciado en Albuquerque. Creo que también me di cuenta entonces de que era posible mezclar el humor irónico con la sinceridad de la actuación. Aparentes contrarios podían coexistir. Mantener un equilibrio entre ambos tenía algo de funambulismo, pero se podía hacer. En los institutos de la zona de Baltimore, uno podía asistir a lo que llamaban Teen Centers, que eran gimnasios de escuela donde las bandas locales podían tocar los fines de semana. Uno de los grupos que vi usaba un formato de revista musical coreografiada estilo Motown, y llegado un punto se ponían todos unos. El efecto era espectacular, aunque un poco cursi. Otro grupo daba un show tipo Sgt. Pepper, y para mis tiernos oídos sonaban exactamente igual que los discos. Su habilidad técnica era sorprendente, pero no era original, así que no era demasiado inspiradora. Ser una banda de versiones, incluso siendo realmente buena, tenía limitaciones. No solo había grupos puristas de folk en la cafetería de la universidad. La mayoría de ellas improvisaba interminablemente y sin rumbo fijo sobre un tema de blues, pero había una banda de Washington D. Sus alardes de técnica e imaginación no tenían pretensiones. Mi manera de tocar la guitarra era tan rudimentaria que costaba de imaginar que Lofgren y yo estuviéramos tocando el mismo instrumento. En aquella época, asistí a un gran festival de rock al aire libre en Bath, una ciudad a pocas horas al este de Londres. Por la mañana temprano me desperté de nuevo y vi a Dr. John, que cerraba el festival. El tipo estaba completamente metido en su etapa Night Tripper, y yo adoraba aquel disco, así que me entusiasmó. Me quedé desconcertado. Fue deprimente. No tenía sentido. Fue el mejor concierto que había visto en la vida: tan preciso y bien coreografiado que parecía de otro planeta, de un planeta lleno de gente increíble. De ninguna manera. Pero captaba la atención de todos. Tras haber tocado en las calles de Berkeley, ya de vuelta a la Costa Este, Mark y yo teloneamos a una maravillosa banda local llamada los Fabulous Motels en el auditorio. Yo me afeité mi desaliñada barba sobre el escenario, mientras Mark tocaba el acordeón y su novia hacía de apuntadora sosteniendo notas escritas en ruso. Al no disponer de espejo, no pude manejar la navaja demasiado bien, así que hubo bastante sangre. Visto retrospectivamente, parece que fue mi manera de decir adiós al antiguo emigrante del traje oscuro. Yo estaba otra vez preparado para abrazar el rock and roll. Un pequeño salto adelante en el tiempo: cuando me trasladé por primera vez a Nueva York, vi a Sun Ra y su Arkestra en el 5 Spot, una sala de jazz en la esquina de St. Pasaba de un instrumento a otro, y llegó un momento en que hizo un estrambótico solo con un sintetizador Moog, instrumento que no suele asociarse al jazz. Como para demostrar a los escépticos que él y su banda sabían realmente tocar, que por mucho que a veces se desmadraran tenían suficiente técnica, de vez en cuando tocaban un tema de big band, y luego volvían al espacio sideral. Empezamos haciendo versiones en fiestas en lofts, en Providence. En aquella época, como contaba con una banda de la que podía esperar que tocara mis composiciones, empecé a escribir material propio. En aquellos tiempos, mi otro medio artístico era una serie de cuestionarios que enviaba por correo o repartía. No conseguí que me devolvieran demasiados. Por alguna razón yo quería que la octava sección del medio fuera en francés, y como la madre de Tina era francesa, tenía los conocimientos necesarios. Chris bromeaba diciendo que teníamos que habernos llamado los Autistics. A mediados de los años setenta me ofrecieron pensión completa en Nueva York. Un pintor, Jamie Dalglish, me dejaba dormir en el suelo de su loft a cambio de que lo ayudara a restaurar su casa. Cuando Chris y Tina se trasladaron a Nueva York, a vivir en la casa que el hermano de ella tenía en Long Island City, íbamos al club regularmente. Empecé a componer canciones basadas en riffs y fragmentos que escribía a toda prisa, con mi guitarra enchufada en una vieja grabadora Webcor de carrete, que tenía una entrada de micro. Llenaba cuadernos de notas con letras de canciones. Talking Heads, el nombre que elegimos, empezó como banda de directo. Era todo corte de pelo y coreografía, y en la mayoría de los casos no tardaban en estrellarse y desaparecer. Les faltaba el rodaje de la actuación en directo. Aquellos pobres diablos lanzados al candelero tenían que competir con los Beatles, Dylan, Marvin Gaye y Stevie Wonder, que parecían completamente familiarizados con. De repente hubo un prejuicio contra los grupos incapaces de llevar las riendas de su creatividad y de hacerlo todo por ellos mismos. Tal prejuicio parece injusto ahora. No todos los grupos que recibían mucha preparación —o, para decirlo con delicadeza, no todos los grupos basados en la colaboración— eran malos. El hecho de que algunos de ellos no fueran demasiado buenos en directo les complicó las cosas doblemente. Esperar que sean buenos en ambas cosas es de alguna manera injusto. He visto a demasiados espíritus creativos obligados de repente a subirse a un escenario e imitar de un modo desesperado movimientos, atuendos y trucos escénicos que obviamente habían visto en otro lado. Todos nos hemos imaginado habitando el cuerpo de nuestros héroes de la infancia, como encarcaciones en cierto sentido, y resulta emocionante, pero llega un momento en que hay que deshacerse de tales anhelos. No del todo como presenciar un accidente, tal como dijo cierto escritor, pero no muy lejos de ello. Mi presencia en el escenario no era falsa, por muy chocante que pueda parecerme en retrospectiva, pero tampoco era inconscientemente excéntrica. Yo trabajaba de acomodador en un cine de la calle Treinta y cuatro, lo cual era perfecto, pues la primera actuación no empezaba hasta las once o las doce de la noche. Era un boceto, con los elementos musicales mínimos necesarios para componer una canción. No había. Era como mirar un borrador, un croquis arquitectónico, y tener que imaginar dónde pueden ir las paredes y el fregadero. Esto era todo intencionado. En aquella escena, otros pensaban de forma similar. También las letras se reducían a lo esencial. Quién sabe. Ya no lo creo. Acabé por darme cuenta de que el simple acto de subirse a un escenario es artificial en sí mismo, pero el dogma proporcionaba un lugar por el que empezar. No era del todo desatinado. En los años noventa, el rollo pijo fue adoptado como look del hip-hop, pero en nuestra época olía a elitismo y privilegio WASP, de blancos de clase alta, lo cual no era muy de rock and roll. Podían permitirse ropa favorecedora, pero optaban por vestidos caseros y trajes desgalichados. Tratar de entender todo eso fue por lo menos igual de instructivo que lo que aprendía en clase. Algunos de aquellos tipos llevaban una especie de uniforme; no un uniforme militar o tipo UPS, pero adoptaban de manera bastante rigurosa un estilo de ropa muy diferente a todo lo que yo conocía. El estilo WASP se presentaba a menudo en televisión y en películas como una especie de look norteamericano arquetípico, y algunos de mis nuevos amigos parecían haberlo adoptado. Decidí probarlo yo también. No lo seguí con mucha coherencia. En mis incursiones fuera de la bohemia y lejos de los borrachuzos y drogadictos que corrían por el Bowery en aquella época, vi que la mayoría de los. Así, en mi intento de parecerme al señor Hombre de la Calle, me compré un traje barato de poliéster —gris, con un sutil diseño de cuadros— fig. C en una de esas tiendas de rebajas del centro de la ciudad, y me lo puse en varios conciertos. Era consciente de que nuestra elección de atuendo tenía sus inconvenientes. Pronto me di cuenta de que respecto a la ropa es poco menos que imposible encontrar algo completamente neutral. Tardé un tiempo en comprender este aspecto de las actuaciones. Nos gustaba mucho la reciente demo de los Modern Lovers, en la que él había tocado, así que invitamos a Jerry a ir a vernos. Finalmente se arriesgó. Como cuarteto, de repente empezamos a sonar como una banda de verdad. Hubo otros cambios. Una camiseta y unos tejanos negros ajustados no tardaron en convertirse en el uniforme elegido, al menos para Jerry y para mí fig. Pero no os equivoquéis: no eran tejanos corrientes, sino pantalones apretados negros y rectos, que aludían a una generación anterior muy, muy anterior de rebeldes y de juventud resentida. Esos atuendos y sus siluetas evocaban a moteros y a cantantes de rockabilly, como Eddie Cochran, pero también a los Beatles o los Stones antes de que tuvieran presupuesto para vestuario. En aquellos días, el artista conceptual Joseph Kosuth solo vestía de negro, igual que una chica con quien salí brevemente. Llevar ese uniforme significaba que uno era una especie de esteta del downtown; no necesariamente nihilista, sino un monje de la orden bohemia. Los trajes retro y las estrechas corbatas negras que se asociaron con la escena musical del downtown, eso nunca lo entendí. Yo ya me había puesto trajes y no pensaba volver a aquello. La textura se convirtió en parte del contenido musical, lo cual no era posible con la banda reducida a trío. Jerry tocaba unas veces el piano eléctrico y otras la guitarra, a menudo a contrapunto conmigo. A veces uno de los dos tocaba la guitarra slide mientras el otro hacía acordes. Cuando en grabamos nuestro primer disco, Jerry apenas se había aprendido nuestro repertorio de temas, pero ya se notaba que algo iba cogiendo forma. Durante nuestra gira por Europa y Reino Unido, la prensa comentó nuestras influencias Stax Volt, y tenía razón. Éramos mitad banda de art rock y mitad banda de ritmos funky, lo cual la prensa estadounidense no supo ver hasta que, unos años después, nos convertimos totalmente en un grupo de art-funk. Pero estaba todo allí, desde el mismo principio, aunque las proporciones eran por entero diferentes. Chris y Tina constituían una sección rítmica estupenda, y aunque Chris no tocaba con sofisticación, lo hacía con solidez. Cuesta definirlo hoy día, en una época en que la interpretación instrumental e incluso la vocal puede ser digitalmente cuantificada y encajada con exactitud en el ritmo. Me doy cuenta ahora de que no significa realmente. Resulta que no ir perfectamente acompasado con la cuadrícula funciona. De hecho, a veces suena mejor que una versión métricamente perfecta. El piano memorizaba las pulsaciones del pianista y podía repetirlas. El groove seguía estando, como una especie de antídoto físico corporal a esa angustiada agitación, pero no se impuso nunca. Servía de protección sónica y psicológica, de vínculo con el cuerpo, una declaración de que por muy perturbado que parecieran el sujeto o el cantante, el groove y su conexión con el cuerpo proporcionarían base y consuelo. Pero la parte tensa e incómoda seguía en primer plano. Vimos a los Clash en el auditorio de una escuela en Inglaterra. Parecer rebelde era encasillarse por anticipado como alguien que solo se habla con otros rebeldes. Nunca acabé de adoptar ese look normal, pero era una línea de conducta, así que, aunque algunos pudimos haber aludido a los James Dean del mundo con nuestra vestimenta, nos abstuvimos de usar cazadoras de cuero o imperdibles. Dos años después, en otro extraño intento de integrarme, llevaba zapatos de tacón bajo y chaquetas normales. Durante mi estancia en Londres visité la oficina de Virgin Records, que estaba entonces junto a Portobello Road, y allí me dejaron ver unas cuantas actuaciones de los Sex Pistols en vídeo. La banda me pareció divertidísima, no un chiste, pero sí una. Era casi una parodia de banda de rock and roll: no sabían tocar y apenas podían aguantarse de pie. Normalmente éramos cabeza de cartel, y un grupo tocaba antes. Hilly, del CBGB, compró un teatro abandonado en la Segunda Avenida y nosotros fuimos el primer grupo pop que actuó allí; creo que fue en Nochevieja. Decidí adoptar un aire festivo y me vestí con colores primarios: tejanos y camiseta, naturalmente, de color rojo y amarillo chillón. Seguíamos siendo una banda de directo, y no un grupo que simplemente reproducía con fidelidad sus grabaciones. Con los instrumentos y efectos añadidos pudimos empezar a variar realmente las texturas entre una canción y otra. Nos propusimos que ninguna canción sonara exactamente como otra, o que por lo menos así nos lo pareciera. Yo no bailaba en el escenario. Me contorsionaba un poco, sobre todo de cintura para abajo. Aunque hubiera querido, tampoco habría podido bailar con demasiado desenfreno, pues tenía que estar cerca del micro para cantar y de los pedales de guitarra, que pisaba a cada rato. A medida que la gira avanzaba, yo me iba acercando a cantar de verdad. Tras la grabación de nuestro siguiente disco, Remain in Light, topamos con un problema: no era un disco que un cuarteto pudiera, siquiera remotamente, reproducir en directo. La combinación de groove y estructura en la que ninguna parte predominaba o conducía la melodía generaba una sensación muy diferente, y también había que reproducir y evocar esto en el escenario. La magia de la grabación con multipistas significaba que nosotros mismos podíamos añadir partes; Jerry podía tocar una parte de guitarra y luego añadir una pista de teclados. Fue creado con la misma técnica que poco después usaríamos en Remain in Light, aunque en ese caso ninguno de los dos cantó o escribió las letras, que salieron de hallazgos. No obstante, esa experiencia nos dio la confianza para afirmar que un disco pop podía definitivamente ser producido de aquella manera. Pero las actuaciones en directo eran otra historia. Los primeros ensayos fueron caóticos. Recuerdo que Jerry era especialmente apto para decidir quién podía tocar qué. Por supuesto, el resultado final no sonaba exactamente igual que en el disco. Dimos nuestro primer concierto con la banda ampliada en el Heatwave Festival, a las afueras de Toronto. Tuvo el efecto deseado. Alguien me dijo que le había recordado a On the Corner, de Miles Davis, lo cual me tomé como un enorme cumplido. Para mí era una forma completamente nueva de tocar. Hablaba de entrega, éxtasis y trascendencia, y la actuación en directo trataba de llevar realmente esas cualidades a un primer plano. Cuando un grupo se hace demasiado grande, esto ya no es posible, o por lo menos, tal como habíamos decidido configurar las cosas, no lo fue. Todos éramos musical y visualmente parte del conjunto. Tal como yo lo percibí, eso no fue solo una transformación musical, sino también psíquica. Con un grupo reducido puedes a veces sentirte transportado, pero con una banda grande suele ser la norma. Os podéis imaginar lo seductor que eso podía llegar a ser. Williams Plasmatics y The Great Kat la guitarrista mujer mas veloz del mundo. Por favor, informarse bien antes de escribir cosas inexactas. Por decir alguien, le haría un lugar a Sharon den Adel, cantante y líder de Within Temptation, aunque reconozco que la banda probablemente se aleje un poco de la categorización de "metal". Por qué tuviste que irte? Hola amigos de Cordoba. Muy buena la nota, pero les falto Amy Lee de Evanescence. Es mi humilde opinion. Nos vemos en el pogo. No estamos en los años ochenta por mucho que vuelvan algunas bandas de entonces. Os habéis atrevido a versionar a Sangtraït. Esperemos que salgan pronto promotores que quieran arriesgar con nosotros. Como despedida, César dice: -Muchas gracias por la entrevista y por el apoyo. Enviamos un abrazo a la gente que nos sigue, especialmente a nuestros foreros. El CD consta de diez temas cargados de fuerza, potencia y un increíble sonido muy cuidado y exquisito, con un brillante acabado pulido por la masterización de Mika Jussila. Poderosos riffs muy intensos y con mucha melodía, solos de guitarra demoledores a cargo de Rufo y Rafael. Por otra parte, nos pareció genial hacer una versión de un grupo tan bueno y tan poco reconocido en el resto de la península. Después Segovia y Barcelona, y participaremos en el festival Leyendas del Rock , posiblemente el mejor festival de Rock nacional de todos los tiempos. No nos podemos quejar. Esperemos que no nos hagan esperar tanto para el próximo. Juan José Díez. La prensa Empeorar no creo, el problema actual es que es difícil en general habla muy bien de él, por suerte ha sido avanzar y puede que llegue a ser difícil sobrevivir. Puedes despedir la entrevista como desees… Gracias por apoyarnos y escucharnos, y esperamos que la gente siga apoyando al Heavy Metal español. Dicho así no parece gran cosa, pero para tener el reconocimiento y estatus que posee esta banda dentro de este mundillo, hay que pasar por un arduo sendero lleno de frustraciones, desengaños, zancadillas y abandonos. Ricardo Bayón. De modo que agrupamos por bandas todos los recibidos y en la redacción decidimos a qué apartado se podía aplicar cada uno de ellos o en base a qué se les podía entregar. La fiesta comenzó algo después de las 21 h. Entregaron: Begoña cantante de Sibila y J. Entregaron: Marta M. Crisol y Fernando S. Como es habitual, agradecemos a todo el personal de la sala Excalibur su trabajo y esfuerzo para que estos premios se celebren año tras año. Esta vez damos. Os queremos. Vayan también para las personas del negocio musical y los grupos que nos acompañaron, aunque no saliesen premiados en esta ocasión. El encargado de abrir el show fue Cardiac, recién aterrizados desde Ginebra Suiza , que por poco nos dejan con la miel en los labios. Su bajista no pudo salir de Suiza por un problema con el pasaporte, pero, como son un grupo con recursos, recurrieron a su amigo Mariano Martín guitarrista de Beholder y productor de sus discos , que fue capaz de prepararse el concierto en el mismo día y hacer de bajista por esta vez. Si el show de Cardiac fue potente, el de A Palo Seko fue breve pero igual de in-. La banda sonora de la noche la pusieron Cardiac y A Palo Seko, dos grupos. Pudimos ver a Black Shark, otro proyecto de Lapi batería de Muro , que se encargó de abrir este pequeño festival. La segunda en salir a escena fue Algar. Ellos dos apostaron por el Hard Rock componiendo temas propios que pudimos escuchar esta misma noche junto a alguna versión de conocidos grupos de AOR. Muy buena impresión dejaron. Retomamos aire fumando un cigarrillo y tomando cerveza mientras esperamos la salida de Black Hat. Pino baterista es el creador de este personaje de ficción llamado Joe Burton, el hombre del sombrero negro. Llegamos al final de la noche con Saña. Markitos Blanco. Jon Marin. Nos cuesta abrirnos a la experimentación musical del Progresivo pero todos aquellos avispados que se acercaron hasta la sala pudieron disfrutar de unas excelentes actuaciones. Raros a la vez que sorprendentes. Sonaba de nuevo Metal Progresivo, pero esta vez en la onda de bandas de virtuosos como Dream Theater, liderado por la voz de su cantante femenina Vau. Espero que estas dos bandas empiecen en breve a rodar por toda España presentando sus arriesgadas propuestas musicales. Y por fin llegó el turno de los cabezas de..

Podía ser un cambio de luz, quitarse la chaqueta, una floritura vocal o see more una guitarra.

Ese enfoque no fue del agrado de todos. Interpretamos source cosas, encontramos vínculos emotivos entre lo que vemos y lo que oímos, y, para mí, esas conexiones no son menos ciertas y honestas por no haber sido concebidas y desarrolladas con anticipación. Aunque la idea era simple, el hecho de que todas las piezas del equipo tenían que estar en el escenario por la tarde, para la prueba técnica, y luego había que quitarlas antes here concierto, daba mucho trabajo al personal de montaje.

Resultó tremendamente gratificante. Después de eso pasé música de fetiche joan jett para myspace tiempo sin actuar. Era see more superar aquella experiencia. Dirigí un largometraje, me casé y tuve una hija, y quise pasar con ella sus primeros años, todo el tiempo posible.

Continué haciendo discos y emprendí otros proyectos creativos, pero no actué. Usamos el mismo material para el plató de mi film True Stories. Esta vez la banda vestía toda de blanco, por lo que sus atuendos, habiendo tanta gente, destacaban sobre el fondo. La indumentaria aludía también a las religiones de origen africano del candomblé y la santería, cuyos seguidores visten de blanco durante las ceremonias.

Música de fetiche joan jett para myspace un documental, Ile Aiye The House of Lifeen Salvador de Bahía, Brasil, en parte para satisfacer mi continuado interés por esas tradiciones religiosas. Hay ceremonias vespertinas, seguro, pero su influencia se siente profundamente en la vida diaria, música de fetiche joan jett para myspace cual afectó a mi forma de pensar mientras preparaba la siguiente serie de actuaciones.

Margareth era magnífica; demasiado buena, de hecho. Algunas noches fue ella la sensación. Vivir para aprender. En esa gira fui contra marea.

Tocamos sobre todo material nuevo, sin intercalar muchas canciones conocidas nuestras, y creo que lo pagué caro. Fue otra lección aprendida de tocar en directo. Estupendas bandas, pero me sentí completamente fuera de lugar. Ahí podíamos tocar algunas canciones de Talking Heads música de fetiche joan jett para myspace, incluso varias que los mismos Talking Heads no habrían podido tocar en directo.

Mi intención era hacer explícito el vínculo entre los ritmos latinos y el funk de Nueva Orleans, o eso esperaba. Después de esto decidí volver a la simplicidad. Grabé y fui de gira con un cuarteto que ponía énfasis en el groove. Tenía un batería, Todd Turkisher, un bajista, Paul Socolow, y un percusionista, Mauro Refosco, pero no había teclados ni segundo guitarra, tal como suele verse y oírse en una banda de rock típica.

Tagalog Iyotube Watch XXX Movies Nude bolly. I need a job. Como resultado compusieron "Three And A Half Letters", una canción cuya letra contiene extractos de esas misivas y que en directo interpretan con diferentes textos. Todo un ejemplo de lucha contra esta lacra social que estamos viviendo en estos dias, provocada en parte por una ambición desmedida a todos los niveles. Etiquetas: Chickenfoot , curiosidades. También hay excepciones, como por ejemplo aquellos que editaron su trabajo el año pasado en USA y salen éste en Europa, o viceversa. Etiquetas: varios. La escena lo necesita. Los de Chicago salieron hacia las h y con el pie torcido, el primer susto llegó cuando al vocalista Chad Cherry no se le escuchaba absolutamente nada, unos problemas de sonido que también hicieron mella sobre los dos guitarristas, Adam Arling y Johnny Wato , que inexplicablemente quedaban un poco tapados en comparación con el resto. Tras la fallida "Whatever Gets You Off" empezaron a recomponerse con "Raw Dog" y a la tercera canción la vencida, "Other Side", cuyo título parecía premonitorio puesto que con ella mejoró notablemente la situación. A penas hubo respiro entre tema y tema, el quinteto se despachó a gusto ofreciendo un buen repertorio de potente hard rock sleazy que animó bastante al personal. Sin duda, la mejor hora y cuarto aprovechada de todo el fin de semana. Las mejores, lejosssssss. Es una idola, tiene la mejor voz! El metal es solo para quién sabe escucharlo. La reina del metal sera siempre Tarja. Muy linda cristina pero medio pedorra la historia de lacuna. Angela Gossow sin dudas le pisa la cabeza a muchos locos seudo metaleros y amy que? Todos los ejecutantes lo hacen así. Si una noche algo nuevo funciona, pues bueno, incorpóralo al repertorio. Podía ser un cambio de luz, quitarse la chaqueta, una floritura vocal o destrozar una guitarra. Ese enfoque no fue del agrado de todos. Interpretamos las cosas, encontramos vínculos emotivos entre lo que vemos y lo que oímos, y, para mí, esas conexiones no son menos ciertas y honestas por no haber sido concebidas y desarrolladas con anticipación. Aunque la idea era simple, el hecho de que todas las piezas del equipo tenían que estar en el escenario por la tarde, para la prueba técnica, y luego había que quitarlas antes del concierto, daba mucho trabajo al personal de montaje. Resultó tremendamente gratificante. Después de eso pasé un tiempo sin actuar. Era difícil superar aquella experiencia. Dirigí un largometraje, me casé y tuve una hija, y quise pasar con ella sus primeros años, todo el tiempo posible. Continué haciendo discos y emprendí otros proyectos creativos, pero no actué. Usamos el mismo material para el plató de mi film True Stories. Esta vez la banda vestía toda de blanco, por lo que sus atuendos, habiendo tanta gente, destacaban sobre el fondo. La indumentaria aludía también a las religiones de origen africano del candomblé y la santería, cuyos seguidores visten de blanco durante las ceremonias. Hice un documental, Ile Aiye The House of Life , en Salvador de Bahía, Brasil, en parte para satisfacer mi continuado interés por esas tradiciones religiosas. Hay ceremonias vespertinas, seguro, pero su influencia se siente profundamente en la vida diaria, lo cual afectó a mi forma de pensar mientras preparaba la siguiente serie de actuaciones. Margareth era magnífica; demasiado buena, de hecho. Algunas noches fue ella la sensación. Vivir para aprender. En esa gira fui contra marea. Tocamos sobre todo material nuevo, sin intercalar muchas canciones conocidas nuestras, y creo que lo pagué caro. Fue otra lección aprendida de tocar en directo. Estupendas bandas, pero me sentí completamente fuera de lugar. Ahí podíamos tocar algunas canciones de Talking Heads también, incluso varias que los mismos Talking Heads no habrían podido tocar en directo. Mi intención era hacer explícito el vínculo entre los ritmos latinos y el funk de Nueva Orleans, o eso esperaba. Después de esto decidí volver a la simplicidad. Grabé y fui de gira con un cuarteto que ponía énfasis en el groove. Tenía un batería, Todd Turkisher, un bajista, Paul Socolow, y un percusionista, Mauro Refosco, pero no había teclados ni segundo guitarra, tal como suele verse y oírse en una banda de rock típica. Apenas había danza y creo recordar que yo vestía de negro otra vez. Varios de los anteriores discos habían sido grabados antes de que sus canciones fueran tocadas en directo, así que esta vez quise volver a mis orígenes. Actuamos en pequeños clubs apartados y otros no tan apartados del circuito habitual, para foguear el material. Funcionó, pero no del todo. En el estudio me di cuenta de imprecisiones y problemas musicales que había pasado por alto en el ardor y la pasión de las actuaciones en directo, así que hubo que hacer algunas modificaciones. En aquella época descubrí los standards. Me parecían temas deliciosos, pero no acertaba a tocarlos bien. No crecí con esas canciones, pero empecé a sentir aprecio por una bonita melodía y por las armonías; armonías en los acordes vocales y no solo en lo que pudiera cantar una segunda voz. El ruido, para ellos, es profundo; la belleza, superficial. Bueno, yo había intuido que ese no era un punto de vista mayoritario. Con mi nuevo aprecio por la. Ya no me bastaba con cantar temas de otra gente en la ducha. Inspirado por esos standards que había estado escuchando y por un par de discos de Caetano Veloso, escribí canciones que vaciaban la parte central del espectro sónico de la instrumentación del habitual grupo de pop. En mis inicios subía al escenario y empezaba a cantar en un desesperado intento de comunicarme, pero luego descubrí el goce físico y emotivo de cantar. Era sensual, puro placer, que no les quitaba nada a las emociones así expresadas, aunque fueran melancólicas. Ocurre frecuentemente. Mi técnica vocal había mejorado un poco, o tal vez se había trasladado a otro lugar, y me di cuenta de que, aunque seguía siendo capaz del aullido desesperado, ya no me sentía inclinado a escribir de esa manera. Mi cuerpo, y el placer físico y emocional que me producía cantar, estaba en efecto diciéndome qué debía escribir. Reuní un grupo que me ayudó a expresar eso: una sección rítmica y un sexteto de cuerda. Salimos de gira y funcionó. Podíamos tocar arias de óperas, canciones de Talking Heads, versiones de otra gente e incluso un extenso tema house. No renuncié del todo a la parte visual, sin embargo. Primero hice confeccionar monos para todo el grupo, copiados de uno que yo había comprado en una tienda. Los duplicados resultaron no ser tan favorecedores para todos como yo había esperado: parecían pijamas. Tal indumentaria despertó cierto justificado recelo, así que la cambiamos por ropa de trabajo Dickies, con la parte superior y la inferior a juego, marrón, azul o gris. Se parecían de alguna manera a los monos que yo había imaginado originalmente, pero añadían un toque de ropa de trabajo cotidiana. Hubo que hacer arreglos en algunos atuendos como estrechar con pliegues las camisas, para acentuar la figura de las chicas del sexteto de cuerda, por ejemplo , pero en general nos iban que ni hechos a medida. En ocasiones me daban aspecto de trabajador de UPS, pero me parecía que, a su manera, era bastante elegante fig. La mejor situación posible. Muchas veces era una ovación atronadora. Se daban cuenta de que lo pasaban bien, de que disfrutaban de verdad con lo que estaban viendo y oyendo, y querían hacérnoslo saber. Uno se olvida de que parte de las actuaciones de uno son parte de la historia personal de cada uno; o, a veces, de la carencia de historia. Podía aprovechar esa banda para tocar también algunas canciones en las que ambos habíamos colaborado, con Talking Heads y en otros proyectos. Había visto varios de esos conciertos. En uno de los Super Furry Animals, el vídeo estaba completamente sincronizado con las canciones, toda la noche. Muy impactante. Había visto fotos de U2 y de otros grupos. Contrataban equipos de creativos para producir el vídeo. Yo no podía competir de ninguna manera con eso. Cuesta una fortuna y cualquier cosa que yo pudiera hacer no iba probablemente a superar, o por lo menos igualar, el resultado obtenido por ellos. Y en cualquier caso, ya estaba hecho. Entonces, en la Brooklyn Academy of Music, vi un concierto de Sufjan Stevens una pieza sobre la autovía de Brooklyn y Queens , en el cual Sufjan hacía salir bailarinas que ejecutaban movimientos repetitivos simples, con hula-hoops y patochadas por el estilo fig. Resultaba efectivo y cautivador, incluso emotivo; y obviamente de baja tecnología, algo que cualquiera podía hacer. En ese caso, lo era. De esta manera, si por alguna razón la contribución de uno de ellos no funcionaba, quedaban los otros para hacerlo rodar. Afortunadamente, esto no pasó. Asimismo, sugerí que cada coreógrafa empezara eligiendo solo un par de temas en los que trabajar. Les pasé una propuesta de lista de temas y dejé que fueran ellas quienes eligieran las canciones en que trabajar. Todas esas coreógrafas ya habían trabajado con bailarines sin instrucción formal, y a menudo incorporaban movimientos propios en sus obras, movimientos no basados en el ballet o. Eso también era importante para mí; no quería un conflicto de estilos. Para mí la danza es algo que cualquiera puede hacer, aunque sabía que, inevitablemente, los bailarines tendrían habilidades particulares, como todos tenemos. La coreógrafa Noémie Lafrance había realizado recientemente con la cantante Feist un vídeo que había tenido gran difusión. Empleaba sobre todo bailarines sin preparación, y aunque yo no requería necesariamente que mis actores no tuvieran instrucción formal, tampoco quería que fuera obvio que eran bailarines. Quería que se integraran con el resto de nosotros. A Annie-B Parson la conocía desde hacía mucho tiempo. Unas veces bajaban por un barranco, otras trepaban por rocas. Resultaba divertido y hermoso. Mark De Gli Antoni se nos unió a los teclados. Era nuevo, aunque habíamos tocado juntos una vez, cuando él estaba en el grupo Soul Coughing. Para encontrar bailarines apropiados, las coreógrafas hicieron correr la voz entre bailarines y actores que conocían personalmente. No usamos el habitual recurso de poner un anuncio, porque habría dado lugar a un aluvión de gente inadecuada. Aun así, al empezar la audición había cincuenta bailarines en la sala. Teníamos dos días para seleccionar a tres. Cruel, pero también divertido. Decidimos pedirles a los bailarines que hicieran tres cosas: ejercicios en los que inventaran su propio movimiento, breves secuencias de pasos que tendrían que aprenderse de memoria, y partes en que recibirían notas y sugerencias sobre cómo mejorar lo que acababan de hacer. Noémie empezó con un ejercicio que nunca olvidaré. En danza, una frase es una corta serie de pasos que se puede repetir. Cuando encuentres una frase que te gusta, repítela. Cuando todo el mundo haga la misma frase, el ejercicio se acaba. Luego se veía que los bailarines habían elegido su frase, y casi inmediatamente después, un grupo de ellos ya había adoptado la misma frase. Habían empezado a copiarse, aunque solo en una zona de la sala. El grupo de imitadores empezó a expandirse, a propagarse, mientras otro nuevo se formaba al otro lado de la sala. Oí un sonido extraño, bastante fuerte, como de viento corriendo y latiendo. No sabía qué era; parecía venir de todos lados y de ninguno a la vez. Nunca había oído un sonido como aquel. Me di cuenta de que era el sonido de cincuenta personas recuperando el aliento, aspirando y respirando, en una habitación cerrada. Luego fue desvaneciéndose gradualmente. Para mí también formó parte de la pieza. Tras lo aprendido en la gira Rei Momo, decidí volver a la indumentaria blanca. Ensayamos durante un mes. Yo iba de una a otra. Dimos nuestro primer concierto en Easton, Pensilvania, en un viejo y encantador teatro restaurado de esa pequeña ciudad de pasado industrial. Bueno, no enloquecieron, pero tampoco pareció que el baile les disgustara. La cosa pintaba bien. Y mejoró. Yo también, cuando podía, me unía a ellos, lo cual me producía puro éxtasis, pero mi interacción estaba limitada por mis tareas de cantar y de tocar la guitarra. Aun así, ellos se convirtieron en parte del todo, no eran un segmento añadido. Algo así como un mundo ideal en microcosmos. La prueba en las afueras fue en cierto sentido un fracaso. Ese aspecto de ajustar. Pocos minutos después de terminar cada concierto, alguien nos decía que varios temas ya habían aparecido en la red. Pero nos dimos cuenta de que tenía un aspecto positivo: nuestros conciertos gustaban, y los vídeos subidos a la red funcionaban como publicidad gratuita. Lo que se suponía que teníamos que evitar era algo que en realidad debíamos promover. Nos estaban haciendo publicidad gratis. Pero en ese contexto pareció gustarles. La poesía cuesta de vender, pero si le añades ritmo se convierte en rap, que es tremendamente comercial. De acuerdo, no es exactamente lo mismo, pero ya me entendéis. También me di cuenta de que había numerosas formas teatrales no reconocidas, pero practicadas en muchas partes. Las presentaciones en PowerPoint son una especie de teatro, una especie de monólogo cómico aumentado. No reconocer que también eso son performances es asumir que cualquiera puede y debería poder hacerlo. En este sentido, vemos cómo los registros y los cacheos convertidos en ritual crean una ilusión de seguridad. Es una forma generalizada desde el 11 de septiembre, y hasta los mismos órganos gubernamentales que participan en esta actividad reconocen, de manera extraoficial, que tiene verdaderamente algo de teatro. La actuación es efímera. Forma parte de la emoción; ocurre delante de ti, y en un par de horas. No puedes apretar un botón y sentir la experiencia otra vez. A menudo el hecho mismo de una enorme reunión de fans define la experiencia tanto como lo que han ido a ver. Es un evento social, la afirmación de una comunidad, y es también, en pequeña medida, la renuncia del individuo aislado ante la sensación de pertenecer a una tribu mayor. Igual que ellos, yo experimento ese placer, y busco oportunidades para encontrarlo. No quiero que solo ocurra una vez, en el estudio de grabación, y luego empaquetar ese momento, como recuerdo. Quiero revivirlo, tal como se puede hacer sobre el escenario, una y otra vez. Es maravilloso y sorprendente que la catarsis ocurra de manera fiable y repetidamente, pero lo hace. Hay un obvio placer narcisista en estar sobre un escenario, en ser el centro de atención. Aunque algunos también cantamos cuando no hay nadie presente. Para un actor, esto sería anatema, destrozaría la ilusión, pero cantando es diferente. Como cantante puedes ser transparente y mostrarte como eres en el escenario, en ese momento, y a la vez ser la persona de cuya historia habla la canción. No hay muchas otras formas de actuación que permitan esto. Del mismo modo que la fotografía cambió nuestra manera de ver, la tecnología de grabación cambió nuestra manera de escuchar. Todas esas experiencias eran efímeras: nada permanecía, nada quedaba, excepto en el recuerdo o en el recuerdo de los amigos de lo que habías escuchado y sentido. Tu memoria podía muy bien fallarte o estar influenciada por factores extramusicales. Si un amigo te decía que la orquesta o el grupo había sido una birria, eso podía llevarte a revisar tu recuerdo de aquella experiencia. Era inasible. Y, la verdad sea dicha, sigue siéndolo. Imaginaos, tal como hizo el compositor Milton Babbitt, que solo pudierais experimentar un libro yendo a una lectura, o leyendo un texto mostrado brevemente en una pantalla. Evitarían complicarse demasiado y se esforzarían en crear una experiencia memorable. Afirma capturar exactamente lo que oímos, aunque nuestro oído no es fiel ni objetivo. Una grabación también es repetible, por lo que, para sus partidarios, es un espejo que refleja el aspecto que tenías en un momento concreto, una y otra vez y así sucesivamente. Los primeros cilindros de fonógrafo de Edison no eran demasiado fiables, y la calidad de la grabación no era muy buena. Edison nunca sugirió que se usaran para. No funcionaban con corriente eléctrica en la grabación ni en la reproducción, así que no sonaban muy fuerte comparadas con lo que hoy conocemos. Las ondas sonoras convergían y la membrana vibrante movía la aguja, que labraba un surco en un cilindro de cera giratorio. La reproducción invertía simplemente el proceso. Es increíble que funcionara. Este año se cumplen 25 del disco que marcó un antes y un después no sólo en la vida de Comentarios 41 says:. Valentina says:. Frankail says:. Danivm says:. Carli says:. Concuerdo plenamente con lo que menciona Margot T. Dani Boop says:. Negra says:. Claudits says:. Daniel D. Me sentí muy abrumada durante aproximadamente medio año". Leer Video. Nacido para perder, vivió para ganar, matado por la muerte. Diego Urdaneta. Cristian Herrera. Lucas Garófalo. Drew Schwartz. Entregaron: Marta M. Crisol y Fernando S. Como es habitual, agradecemos a todo el personal de la sala Excalibur su trabajo y esfuerzo para que estos premios se celebren año tras año. Esta vez damos. Os queremos. Vayan también para las personas del negocio musical y los grupos que nos acompañaron, aunque no saliesen premiados en esta ocasión. El encargado de abrir el show fue Cardiac, recién aterrizados desde Ginebra Suiza , que por poco nos dejan con la miel en los labios. Su bajista no pudo salir de Suiza por un problema con el pasaporte, pero, como son un grupo con recursos, recurrieron a su amigo Mariano Martín guitarrista de Beholder y productor de sus discos , que fue capaz de prepararse el concierto en el mismo día y hacer de bajista por esta vez. Si el show de Cardiac fue potente, el de A Palo Seko fue breve pero igual de in-. La banda sonora de la noche la pusieron Cardiac y A Palo Seko, dos grupos. Pudimos ver a Black Shark, otro proyecto de Lapi batería de Muro , que se encargó de abrir este pequeño festival. La segunda en salir a escena fue Algar. Ellos dos apostaron por el Hard Rock componiendo temas propios que pudimos escuchar esta misma noche junto a alguna versión de conocidos grupos de AOR. Muy buena impresión dejaron. Retomamos aire fumando un cigarrillo y tomando cerveza mientras esperamos la salida de Black Hat. Pino baterista es el creador de este personaje de ficción llamado Joe Burton, el hombre del sombrero negro. Llegamos al final de la noche con Saña. Markitos Blanco. Jon Marin. Nos cuesta abrirnos a la experimentación musical del Progresivo pero todos aquellos avispados que se acercaron hasta la sala pudieron disfrutar de unas excelentes actuaciones. Raros a la vez que sorprendentes. Sonaba de nuevo Metal Progresivo, pero esta vez en la onda de bandas de virtuosos como Dream Theater, liderado por la voz de su cantante femenina Vau. Espero que estas dos bandas empiecen en breve a rodar por toda España presentando sus arriesgadas propuestas musicales. Y por fin llegó el turno de los cabezas de. A destacar la impresionante actuación del guitarrista Chechu. Caras nuevas en el grupo y esperamos que nuevo disco dentro de poco. A destacar que había gente de otras provincias españolas para ver el concierto. César Díez tiene un don especial para crear canciones que se quedan en tu cabeza para siempre con tan sólo una escucha. Antonio Valseca metal-morfosis. Sin embargo, la primera banda, los madrileños Sahara nos tenían preparada una sesión de Hard Rock elegante con alguna tendencia AOR para chuparse los dedos. En Sahara hay muchas tablas y profesionalidad, y se nota a la primera. Pero había que guardar fuerzas. Poderío de la puesta en escena del resto del grupo con una coreografía bastante interesante. Aunque, en el momento en el que tocaron, no había demasiada gente en la sala, ellos lo dieron todo. Después de unos minutos se subió al escenario Jon Marin para presentar al siguiente grupo, que no era otro que Arkania..

Apenas había danza y creo recordar que yo vestía de negro otra vez. Varios de los anteriores discos habían sido grabados antes de que sus canciones fueran tocadas en directo, así que esta vez quise volver a mis orígenes. Actuamos en pequeños clubs apartados y otros no tan apartados del circuito habitual, para foguear el material.

Jyosporn Vi Watch XXX Movies Phillipinas nude. Hacemos Death Metal melódico aunque con matices de otros muchos estilos. Se puede hacer y se puede hacer muy bien pero, si hay oportunidad, es preferible ayuda profesional. Pero fíjate que estamos teniendo suerte y dos compañías internacionales se han interesado mucho por nuestros discos. Pero sí, ciertamente vender es complicado y, en ocasiones, mover a un concierto a la gente que crees que puede gustar tu directo también resulta complicado. No sé si es por la excusa de la percepción de crisis, o la crisis real, el paro, los problemas económicos, etc. No estamos en los años ochenta por mucho que vuelvan algunas bandas de entonces. Os habéis atrevido a versionar a Sangtraït. Esperemos que salgan pronto promotores que quieran arriesgar con nosotros. Como despedida, César dice: -Muchas gracias por la entrevista y por el apoyo. Enviamos un abrazo a la gente que nos sigue, especialmente a nuestros foreros. El CD consta de diez temas cargados de fuerza, potencia y un increíble sonido muy cuidado y exquisito, con un brillante acabado pulido por la masterización de Mika Jussila. Poderosos riffs muy intensos y con mucha melodía, solos de guitarra demoledores a cargo de Rufo y Rafael. Por otra parte, nos pareció genial hacer una versión de un grupo tan bueno y tan poco reconocido en el resto de la península. Después Segovia y Barcelona, y participaremos en el festival Leyendas del Rock , posiblemente el mejor festival de Rock nacional de todos los tiempos. No nos podemos quejar. Esperemos que no nos hagan esperar tanto para el próximo. Juan José Díez. La prensa Empeorar no creo, el problema actual es que es difícil en general habla muy bien de él, por suerte ha sido avanzar y puede que llegue a ser difícil sobrevivir. Puedes despedir la entrevista como desees… Gracias por apoyarnos y escucharnos, y esperamos que la gente siga apoyando al Heavy Metal español. Dicho así no parece gran cosa, pero para tener el reconocimiento y estatus que posee esta banda dentro de este mundillo, hay que pasar por un arduo sendero lleno de frustraciones, desengaños, zancadillas y abandonos. Ricardo Bayón. De modo que agrupamos por bandas todos los recibidos y en la redacción decidimos a qué apartado se podía aplicar cada uno de ellos o en base a qué se les podía entregar. La fiesta comenzó algo después de las 21 h. Entregaron: Begoña cantante de Sibila y J. Entregaron: Marta M. Crisol y Fernando S. Como es habitual, agradecemos a todo el personal de la sala Excalibur su trabajo y esfuerzo para que estos premios se celebren año tras año. Esta vez damos. Os queremos. Vayan también para las personas del negocio musical y los grupos que nos acompañaron, aunque no saliesen premiados en esta ocasión. El encargado de abrir el show fue Cardiac, recién aterrizados desde Ginebra Suiza , que por poco nos dejan con la miel en los labios. Su bajista no pudo salir de Suiza por un problema con el pasaporte, pero, como son un grupo con recursos, recurrieron a su amigo Mariano Martín guitarrista de Beholder y productor de sus discos , que fue capaz de prepararse el concierto en el mismo día y hacer de bajista por esta vez. Si el show de Cardiac fue potente, el de A Palo Seko fue breve pero igual de in-. La banda sonora de la noche la pusieron Cardiac y A Palo Seko, dos grupos. Pudimos ver a Black Shark, otro proyecto de Lapi batería de Muro , que se encargó de abrir este pequeño festival. La segunda en salir a escena fue Algar. Ellos dos apostaron por el Hard Rock componiendo temas propios que pudimos escuchar esta misma noche junto a alguna versión de conocidos grupos de AOR. Muy buena impresión dejaron. Retomamos aire fumando un cigarrillo y tomando cerveza mientras esperamos la salida de Black Hat. Pino baterista es el creador de este personaje de ficción llamado Joe Burton, el hombre del sombrero negro. Llegamos al final de la noche con Saña. Markitos Blanco. Jon Marin. No estoy muy viejo, y hasta que decida que estoy muy viejo nunca estaré muy viejo. Pero el fuego sobrevive, y Lemmy vive en los corazones de todos. Casi al final de su vida, los problemas de salud, rumores, cancelaciones de conciertos y las fotos de él viéndose exhausto empezaron a ser el pan de todos los días, y algo que sólo generaba temor a lo inevitable. Los medios observaban cuidadosamente cada paso que esas botas de vaquero tomaban, y el equipo publicitario de la banda trabajó a marchas forzadas para asegurarnos a todos que nuestro ídolo estaba bien. Cada día se sentía como un juego de Ruleta Rusa, y cada vez que se bajaba del escenario era como hacer un volado. Era un dios, pero uno al que siempre le querían invitar un trago —y lo mejor era saber que si ibas al Rainbow a la hora adecuada, y llegabas a la esquina derecha, podías hacerlo. Parecía algo imposible —hasta que dejó de serlo. Nunca nos podemos preparar realmente para la pérdida de un héroe, pero desafortunadamente es algo en lo que no podemos intervenir. El grupo de imitadores empezó a expandirse, a propagarse, mientras otro nuevo se formaba al otro lado de la sala. Oí un sonido extraño, bastante fuerte, como de viento corriendo y latiendo. No sabía qué era; parecía venir de todos lados y de ninguno a la vez. Nunca había oído un sonido como aquel. Me di cuenta de que era el sonido de cincuenta personas recuperando el aliento, aspirando y respirando, en una habitación cerrada. Luego fue desvaneciéndose gradualmente. Para mí también formó parte de la pieza. Tras lo aprendido en la gira Rei Momo, decidí volver a la indumentaria blanca. Ensayamos durante un mes. Yo iba de una a otra. Dimos nuestro primer concierto en Easton, Pensilvania, en un viejo y encantador teatro restaurado de esa pequeña ciudad de pasado industrial. Bueno, no enloquecieron, pero tampoco pareció que el baile les disgustara. La cosa pintaba bien. Y mejoró. Yo también, cuando podía, me unía a ellos, lo cual me producía puro éxtasis, pero mi interacción estaba limitada por mis tareas de cantar y de tocar la guitarra. Aun así, ellos se convirtieron en parte del todo, no eran un segmento añadido. Algo así como un mundo ideal en microcosmos. La prueba en las afueras fue en cierto sentido un fracaso. Ese aspecto de ajustar. Pocos minutos después de terminar cada concierto, alguien nos decía que varios temas ya habían aparecido en la red. Pero nos dimos cuenta de que tenía un aspecto positivo: nuestros conciertos gustaban, y los vídeos subidos a la red funcionaban como publicidad gratuita. Lo que se suponía que teníamos que evitar era algo que en realidad debíamos promover. Nos estaban haciendo publicidad gratis. Pero en ese contexto pareció gustarles. La poesía cuesta de vender, pero si le añades ritmo se convierte en rap, que es tremendamente comercial. De acuerdo, no es exactamente lo mismo, pero ya me entendéis. También me di cuenta de que había numerosas formas teatrales no reconocidas, pero practicadas en muchas partes. Las presentaciones en PowerPoint son una especie de teatro, una especie de monólogo cómico aumentado. No reconocer que también eso son performances es asumir que cualquiera puede y debería poder hacerlo. En este sentido, vemos cómo los registros y los cacheos convertidos en ritual crean una ilusión de seguridad. Es una forma generalizada desde el 11 de septiembre, y hasta los mismos órganos gubernamentales que participan en esta actividad reconocen, de manera extraoficial, que tiene verdaderamente algo de teatro. La actuación es efímera. Forma parte de la emoción; ocurre delante de ti, y en un par de horas. No puedes apretar un botón y sentir la experiencia otra vez. A menudo el hecho mismo de una enorme reunión de fans define la experiencia tanto como lo que han ido a ver. Es un evento social, la afirmación de una comunidad, y es también, en pequeña medida, la renuncia del individuo aislado ante la sensación de pertenecer a una tribu mayor. Igual que ellos, yo experimento ese placer, y busco oportunidades para encontrarlo. No quiero que solo ocurra una vez, en el estudio de grabación, y luego empaquetar ese momento, como recuerdo. Quiero revivirlo, tal como se puede hacer sobre el escenario, una y otra vez. Es maravilloso y sorprendente que la catarsis ocurra de manera fiable y repetidamente, pero lo hace. Hay un obvio placer narcisista en estar sobre un escenario, en ser el centro de atención. Aunque algunos también cantamos cuando no hay nadie presente. Para un actor, esto sería anatema, destrozaría la ilusión, pero cantando es diferente. Como cantante puedes ser transparente y mostrarte como eres en el escenario, en ese momento, y a la vez ser la persona de cuya historia habla la canción. No hay muchas otras formas de actuación que permitan esto. Del mismo modo que la fotografía cambió nuestra manera de ver, la tecnología de grabación cambió nuestra manera de escuchar. Todas esas experiencias eran efímeras: nada permanecía, nada quedaba, excepto en el recuerdo o en el recuerdo de los amigos de lo que habías escuchado y sentido. Tu memoria podía muy bien fallarte o estar influenciada por factores extramusicales. Si un amigo te decía que la orquesta o el grupo había sido una birria, eso podía llevarte a revisar tu recuerdo de aquella experiencia. Era inasible. Y, la verdad sea dicha, sigue siéndolo. Imaginaos, tal como hizo el compositor Milton Babbitt, que solo pudierais experimentar un libro yendo a una lectura, o leyendo un texto mostrado brevemente en una pantalla. Evitarían complicarse demasiado y se esforzarían en crear una experiencia memorable. Afirma capturar exactamente lo que oímos, aunque nuestro oído no es fiel ni objetivo. Una grabación también es repetible, por lo que, para sus partidarios, es un espejo que refleja el aspecto que tenías en un momento concreto, una y otra vez y así sucesivamente. Los primeros cilindros de fonógrafo de Edison no eran demasiado fiables, y la calidad de la grabación no era muy buena. Edison nunca sugirió que se usaran para. No funcionaban con corriente eléctrica en la grabación ni en la reproducción, así que no sonaban muy fuerte comparadas con lo que hoy conocemos. Las ondas sonoras convergían y la membrana vibrante movía la aguja, que labraba un surco en un cilindro de cera giratorio. La reproducción invertía simplemente el proceso. Es increíble que funcionara. Tal como señala Murch, los antiguos griegos o romanos podían haber inventado un aparato como aquel, pues no requería tecnología que estuviese fuera de su alcance. No lo sabemos, pero es posible que en aquella época alguien intentara inventar algo similar y luego abandonara el proyecto. Es curioso cómo la tecnología y las invenciones nacen o fracasan por toda clase de razones que no tienen nada que ver con la habilidad, los materiales o la tecnología disponible en la época. Cada lote de grabaciones requería una nueva actuación. No era exactamente un negocio prometedor. Pronto vio que había obtenido un gran logro. En , cuando Edison mostró su nueva versión de un aparato que grababa en discos, estaba convencido de que, finalmente, había conseguido una reproducción completamente fiel del orador o cantante registrado. Bueno, si escuchamos esas grabaciones, hoy pensaríamos que Edison iba algo desorientado acerca de cómo de bueno era su artilugio, pero él parecía estar convencido de verdad, y consiguió persuadir a otros. Los nuevos fonógrafos Diamond Disc fueron promocionados por medio de lo que Edison denominaba Test de Tono. Hay una película promocional hecha por él, llamada La voz del violín curiosamente, promocionaba una grabadora de sonido con una película muda , que ayudó a darles publicidad a los Test de Tono. Al principio no ponía. También organizaba fiestas de Cambio de Humor! En este aspecto parece que no hemos aprendido demasiado —Kindles, iPads, Pro Tools, software de MS Office—: la lista de insensatez exclusiva es infinita. Consuela un poco ver que no es un disparate nuevo. El escenario estaba en penumbra. O eso decían. Podríamos preguntarnos cómo era posible eso. Bueno, para empezar, parece que recurrían a un truquito escénico. A los cantantes se les pedía que trataran de sonar como las grabaciones, que cantaran con voz ligeramente contraída y con un volumen bajo. El sociólogo H. Por derivación se podría inferir que hay toda clase de medios, no solo las grabaciones,. No hay duda de que nuestro cerebro puede restringir, y a menudo lo hace, el alcance de lo que percibimos, hasta el punto de que a veces no registramos cosas que pasan justo delante de nosotros. Los que dijeron que no lo habían visto no mentían: para ellos, el gorila no había aparecido. Las cosas inciden sobre nuestros sentidos, pero no siempre quedan registradas en el cerebro. Sir Arthur Conan Doyle estaba convencido de que lo que para nosotros es obvio que son falsas fotos de hadas, eran verdaderas hadas captadas en película. Creyó hasta su muerte que la foto mostrada abajo era verdadera fig. Así, el ojo y el oído de la mente es algo realmente variable. Lo que una persona oye y ve no es necesariamente lo que otra percibe. Nuestros órganos sensoriales, y por tanto nuestra interpretación de datos y nuestra lectura de medidas en instrumentos, son tremendamente subjetivos. Edison creía que la había. Yo diría que ambos tenían razón; ambas tecnologías colorean el sonido, pero de diferente manera. O sea, una especie de extensión de la idea de percepción grabadora de Bennet antes mencionada. Aquí tenemos, en resumen, la escisión ideológica. Por supuesto que no creo que los discos de Edison engañaran a nadie hoy día, pero las aspiraciones y los ideales divergentes respecto a la grabación persisten. Ese debate no se limita a la grabación de sonido. Un andamio sónico se ha mantenido, a pesar de que los materiales que lo componen han cambiado radicalmente. El cantante, por ejemplo, se ponía justo delante de la trompa de grabación, y cuando llegaba un solo de saxo, un ayudante lo apartaba y otro colocaba al saxofonista en su sitio. Y todo eso para un solo. Una sesión de grabación conllevaba un pequeño bailoteo concebido para que todas las partes clave fueran oídas en el momento apropiado. Las baterías y los contrabajos planteaban un gran problema para esos aparatos de grabación. De ahí que esos instrumentos se colocaran al fondo también, y en la. El contrabajo era a menudo suplido por la tuba, de frecuencias graves menos contundentes. Entonces, la primitiva tecnología de grabación no solo restringía las frecuencias que uno escuchaba, sino también qué instrumentos se grababan. Edison, mientras tanto, siguió manteniendo que sus grabadoras capturaban la realidad sin adornos. Mantenía, por supuesto, que sus grabaciones presentaban el sonido tal como verdaderamente era. El aspecto que se graba de nuestra voz es solo una parte de lo que oímos. He oído decir que las grabadoras de Edison no deforman tan escandalosamente como uno pensaría, y que, de hecho, oír la propia voz reproducida en un aparato de Edison suena, en realidad, menos extraña que en una grabación hecha con un micrófono. Así que podía haber una pizca de verdad en la afirmación de Edison, al menos en cuanto a la voz. Él decía que era como mirar en un espejo. Pero ahora yo empiezo a preguntarme si los espejos nos reflejan a nosotros, o distorsionan y deforman. Para captar el efecto tenías que escuchar las grabaciones con auriculares. Escuché varias de esas grabaciones y no me convenció. Las primeras versiones después de las que solo servían para grabar el habla permitían al usuario grabar sus propias actuaciones musicales. Este es un anuncio sacado de un ejemplar de Vanity Fair de para algo llamado Graduola: Para mis amigos y mis socios, y para mí también, he sido siempre, hasta hace poco, un simple empresario de mediana edad, vulgar e indiferente. El pasado martes por la noche estaba con mi esposa en casa de los Jones. Jones acababa de comprar un aparato: un fonógrafo. Pero aquel fonógrafo era diferente. Al oír las primeras notas me enderecé en la silla. Sonaba hermoso. Me acerqué a ver qué clase de cosa era aquel estilizado tubo que terminaba en una manivela [la Graduola]. Tenía un aspecto interesante. Entonces puso el disco otra vez. Al principio apenas me atrevía a mover el pequeño artefacto que tenía en las manos. Pero enseguida gané confianza. Una emoción profunda me hacía… temblar. Y con esa idea entreví las gloriosas posibilidades que me abría este estupendo nuevo fonógrafo[4]. Pronto llegó una avalancha de grabaciones de artistas de escuela y de salón, felicitaciones cantadas, cartas a los Reyes Magos y toda clase de actuaciones amateurs. Los primeros fonógrafos eran como YouTube: todo el mundo intercambiaba grabaciones de sonido caseras. Los compositores grababan incluso sus propias interpretaciones y luego se acompañaban con ellas. Al poco tiempo quitaron esa función. No estaba del todo loco, sin embargo. No obstante, la gente suele sorprendernos encontrando formas de crear usando cualquier medio disponible. Se iba apartando de la glorieta donde Sousa era el rey y entrando en el salón de casa. Para algunos, eso era horrible; era como beber solo, decían; era antisocial y psicológicamente peligroso. Por supuesto, el sonido no cambiaba, pero nuestra percepción sí: al no ver, oíamos de diferente manera. Dicho esto, a la mayoría de la gente le gustaba realmente lo que oía en la radio. Y ocurrió lo que, hasta cierto punto, Sousa temía: cuando ahora pensamos en una. Lo que originalmente era la simulación de una actuación —la grabación— ha suplantado a las actuaciones, y las actuaciones son ahora consideradas como la simulación. No era así, y no lo es. El perceptiblemente impreciso tono de un instrumento de cuerda sin trastes se podía compensar con esa pequeña oscilación. Sospecho que pasó exactamente lo mismo con los cantantes de ópera. Tengo algunas grabaciones hechas muy al principio de la era de la grabación, y el uso que hacían del vibrato era muchísimo menos frecuente que en la actualidad. O lo intentaron, por lo menos. Esto pasa también con bandas de pop y de rock. Cuando ves a alguien en directo, eres un poco menos crítico con los tropiezos de ritmo y afinación. Bueno, lo hacemos hasta cierto punto; el sonido de algunas salas no tiene arreglo. Escuchar la grabación de una actuación en directo que uno ha presenciado y de la cual ha gozado puede resultar decepcionante. Una experiencia auditiva, visual y social queda reducida a algo que sale de altavoces estereofónicos o de auriculares. Ha habido gente que ha tratado de salvar esas irreconciliables diferencias, y de ello han resultado extraños híbridos, así como maravillosos progresos. Su ambición declarada era servirse de la tecnología para conseguir que las composiciones sonaran mejor de lo que el compositor había concebido originalmente. Hay algo de presunción en esto, pero no creo que demasiados compositores se quejaran. En lugar de tener machacas como los de los primeros estudios de grabación, Stokowski reclutó técnicos de sonido para que movieran micrófonos de un lado a otro durante la grabación de orquestas. Stokowski comprendió —igual que los técnicos y editores de sonido de cine— que en una situación en directo escuchamos con todos nuestros sentidos, y que plantar un micro y esperar que capture lo que hemos experimentado es imposible que funcione. Stokowski identificó este fenómeno e introdujo modificaciones para ayudar a salvar esa brecha de percepción. En una ocasión propuso que un gran problema inherente a. Stokowski propuso que actrices esbeltas aprendieran a hacer playback con voces pregrabadas, para que la parte visual de la ópera finalmente se adaptara a las intenciones del compositor. Magníficos actores y actrices representaban los papeles y hacían playback con las voces grabadas de estupendos cantantes. A mí me pareció que funcionaba, pero ese enfoque no prosperó. Años después, guitarristas amateurs usaban grabaciones para descomponer los solos de Hendrix y Clapton de la misma manera. Con una grabación podías parar el tiempo parando el disco, o podías hacer que el tiempo se repitiera, reproduciendo parte de una canción tantas veces como quisieras. Lo inefable se ponía bajo control humano. Pero aprender de discos tenía sus limitaciones. Ignacio Varchausky, de la orquesta de tango de Buenos Aires El Arranque, cuenta en el documental Si sos brujo que él y otros trataron de aprender de discos cómo las viejas orquestas hacían lo que hacían, pero era difícil, casi imposible. Al final, El Arranque tuvo que buscar a los miembros supervivientes de aquellos grupos y preguntarles cómo se hacía. En el mismo documental, Wynton Marsalis dice que el aprendizaje, el recoger el testigo, se hace en el escenario; hay que tocar con otra gente, para aprender a base de observar e imitar. La historia y la cultura no se pueden preservar mediante la tecnología sola[8]. Empezaron usando un voluminoso grabador de discos. El hombre llamado Blue se levantó. Merecía ciertamente ese apodo, pensó Alan, cuando Blue se acercó a él. El hombre tenía la piel tan oscura que parecía azul marino. Nos gustaría oírla primero, pues no tenemos demasiados cilindros vírgenes. Solo la cantaré una vez. Tiene que pillarla a la primera. Mientras cantaba, miraba al encargado de la plantación. Al acabar recibió una gran ovación. Pero no había terminado. Le canto a usted y le hablo a usted, y espero que venga aquí y haga algo por nosotros, la pobre gente de aquí, de Texas. La voz rasposa de Blue emergió de la trompa entre el silencio general. Blue había comprendido el poder del sonido grabado, que podía viajar a lugares que a él le estaban vedados, y ser escuchado por gente que nunca iba a conocer, como el presidente de Estados Unidos. Los privados de todo derecho y los marginados podían ser escuchados gracias al nuevo aparato. A Alan Lomax le gustó la idea de que la grabadora resultara un medio que daba voz a los marginados. Hasta le hacía vestir con un peto en los conciertos, como si no tuviera otra cosa que ponerse. En realidad, Huddie prefería los trajes. Lomax quería mostrar lo bien que tocaba Leadbelly, pero no quería que sonara demasiado bien, demasiado refinado. Vio cómo la gente era desposeída de su propia voz y cómo arrasaban el panorama musical. Tenía razón. Si hago memoria, incluso canciones folk y de blues, algunas de ellas con siglos de historia, no se extienden interminablemente, y muchas de ellas no tienen demasiadas estrofas: así es como me explico la omnipresente canción de tres minutos y medio. Todo el mundo sabía por instinto qué hacer exactamente con ella y cómo convertirla en parte de su vida. Katz dice que a Adorno no le gustaba ese aspecto restrictivo de tiempo de la tecnología de grabación. Adorno dice que nuestro período de atención musical se redujo como respuesta a la duración limitada de las grabaciones. Una especie de trastorno por déficit de atención de escucha apareció, y hemos acabado esperando que todo lo musical esté desmenuzado —atomizado— en partes de tres o cuatro minutos. Actitud y espíritu punk juvenil no les falta, desde luego, y sentido del humor tampoco, cuando llevamos transcurrido veinte minutos de actuación, depués de atacarnos con pildorazos como "Feels Good To Feel", "Pretty, Pretty, Pretty", "Comin Home Baby" El final de infarto, remataron con dos bises, una tremenda "Push-Up Man" y en consecuencia rostros de satisfación tras hora y veinte minutos, incluído el suyo propio, certificando con su actuación que siguen siendo los reyes del desmadre. Unos cracks. Gracias que todavía existen grupos como T he Fleshtones , de lo contrario habría que inventarlos. Etiquetas: conciertos , The Fleshtones. Un hombre se sentó en una estación de metro en Washington DC y comenzó a tocar el violín, era una fría mañana de enero. Interpretó seis piezas de Bach durante unos 45 minutos. Durante ese tiempo, ya que era hora pico, se calcula que 1. Disminuyó el paso y se detuvo por unos segundos, luego se apresuró a cumplir con su horario. Es evidente que se le hizo tarde para el trabajo. El que puso mayor atención fue un niño de 3 años. Su madre le apresuró, pero el chico se detuvo a mirar al violinista. Esta acción fue repetida por varios otros niños. Todos sus padres, sin excepción, los forzaron a seguir adelante. Daniel D. Nycteris says:. Victorialand says:. Carla says:. Gina G says:. Camii says:. Bikini Kill, 7 Year Bitch o no sé un estilo bieen power y muy femenistas jaja. Sandia con Harina: says:. Conie says:. Pamelita says:. Ppaz says:. Pai says:. JO says:..

Funcionó, pero no del todo. En el estudio me di cuenta de imprecisiones y problemas musicales que había pasado por alto en el ardor y la pasión de las actuaciones en directo, así que hubo que hacer algunas modificaciones. En aquella época descubrí los standards. Me parecían temas deliciosos, pero no acertaba a tocarlos música de fetiche joan jett para myspace.

No crecí con esas canciones, pero empecé a sentir aprecio por una bonita melodía y por las armonías; armonías en los acordes vocales y no solo en lo que pudiera cantar una segunda voz. El ruido, para ellos, es profundo; la belleza, superficial. Bueno, yo había intuido música de fetiche joan jett para myspace ese no era un punto de vista mayoritario.

Con mi nuevo aprecio por la. Ya no me bastaba con cantar temas de otra gente en la ducha. Inspirado por esos standards que había estado escuchando y por un par de discos de Caetano Veloso, escribí canciones que vaciaban la parte central del espectro sónico de la instrumentación del habitual grupo de pop. En mis inicios subía al escenario y empezaba a cantar en un desesperado intento de comunicarme, pero luego descubrí el goce físico y emotivo de cantar.

Era sensual, puro placer, que no les quitaba nada a las emociones así expresadas, aunque fueran melancólicas. Ocurre frecuentemente. Mi técnica vocal había mejorado un poco, o tal vez se había trasladado a otro lugar, y me di cuenta de que, aunque seguía siendo capaz del aullido desesperado, ya no me sentía inclinado a escribir de esa manera. Mi cuerpo, y el placer físico click to see more emocional que me producía cantar, estaba en efecto diciéndome qué debía escribir.

Reuní un grupo que me ayudó a expresar eso: una sección rítmica y un sexteto de cuerda. Salimos de gira y funcionó. Podíamos tocar arias de óperas, canciones de Talking Heads, versiones de otra gente e incluso un extenso tema house.

No renuncié del todo a la parte visual, sin música de fetiche joan jett para myspace.

Imelda May

Primero hice música de fetiche joan jett para myspace monos para todo el grupo, copiados de uno que yo había comprado en una tienda.

Los duplicados resultaron no ser tan favorecedores para todos como yo había esperado: parecían pijamas. Tal indumentaria despertó cierto justificado recelo, así que la cambiamos por ropa de trabajo Dickies, con la parte superior y la inferior a juego, marrón, azul o gris.

Se parecían de alguna manera a los monos que yo había imaginado originalmente, pero añadían un toque de ropa de trabajo cotidiana. Hubo que hacer arreglos en algunos atuendos como estrechar con pliegues las camisas, para acentuar la figura de las chicas del sexteto de cuerda, por ejemplopero en general nos iban que ni música de fetiche joan jett para myspace a medida.

En ocasiones me daban aspecto de trabajador de UPS, pero me parecía que, a su manera, era bastante elegante fig. La mejor situación posible.

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Muchas veces era una ovación música de fetiche joan jett para myspace. Se daban cuenta de que lo pasaban bien, de que disfrutaban de verdad con link que estaban viendo y oyendo, y querían hacérnoslo saber.

Uno se olvida de que parte de las actuaciones de uno son parte de la historia personal de cada uno; o, a veces, de la carencia de historia. Podía aprovechar esa banda para tocar también algunas canciones en las que ambos habíamos colaborado, con Talking Heads y en otros proyectos.

Había visto varios de esos conciertos. En uno de los Super Furry Animals, el vídeo estaba completamente sincronizado con las canciones, toda la noche. Muy impactante.

El Rock’n’Roll ha muerto: Un último tributo a Lemmy Kilmister

Había visto fotos de U2 y de otros grupos. Contrataban equipos de creativos para producir el vídeo. Yo no podía competir de ninguna manera con eso. Cuesta una fortuna y cualquier cosa que yo pudiera hacer no iba probablemente a superar, o por lo menos igualar, el resultado obtenido por ellos. Y en cualquier caso, ya estaba música de fetiche joan jett para myspace.

Entonces, en la Brooklyn Academy of Music, vi un concierto de Sufjan Stevens una pieza sobre la autovía de Brooklyn y Queensen el cual Sufjan hacía salir bailarinas que ejecutaban movimientos repetitivos simples, con hula-hoops y patochadas por el estilo fig. Resultaba efectivo y cautivador, incluso emotivo; y obviamente de baja tecnología, algo que cualquiera podía hacer. En ese caso, lo era.

De esta manera, si por alguna razón la contribución de uno de ellos no funcionaba, quedaban los otros para hacerlo rodar. Afortunadamente, esto no pasó. Asimismo, sugerí que cada coreógrafa empezara eligiendo solo un par de temas en los que trabajar. Les pasé una propuesta de lista de temas y dejé que fueran ellas quienes eligieran las canciones en que trabajar. Todas esas coreógrafas ya habían trabajado con bailarines sin instrucción formal, y a menudo incorporaban movimientos propios en sus obras, movimientos no basados en el ballet o.

Eso también era importante para mí; no quería un conflicto de estilos. Para mí la danza es algo que cualquiera puede hacer, aunque sabía que, inevitablemente, los bailarines tendrían habilidades particulares, como todos tenemos.

La coreógrafa Noémie Lafrance había realizado recientemente con la cantante Feist un vídeo que había tenido gran difusión. Empleaba sobre todo bailarines sin preparación, y aunque yo no requería necesariamente que mis actores no tuvieran instrucción formal, tampoco quería que fuera obvio que eran bailarines. Quería que se integraran con el resto de nosotros. A Annie-B Parson la conocía desde hacía mucho tiempo. Unas veces bajaban por un barranco, otras read article por rocas.

Resultaba divertido y hermoso. Mark De Gli Antoni se nos unió a los teclados. Era nuevo, aunque habíamos tocado juntos música de fetiche joan jett para myspace vez, cuando él estaba en el grupo Soul Coughing. Para encontrar bailarines apropiados, las coreógrafas hicieron correr la voz entre bailarines y actores que conocían personalmente.

No usamos el habitual recurso de poner un anuncio, porque habría dado lugar a un aluvión de gente inadecuada. Aun así, al empezar la audición había cincuenta bailarines música de fetiche joan jett para myspace la sala. Teníamos dos días para seleccionar a tres. Cruel, pero también divertido. Decidimos pedirles a los bailarines que hicieran tres cosas: ejercicios en los que inventaran música de fetiche joan jett para myspace propio movimiento, breves secuencias de pasos que tendrían que click de memoria, y partes en que recibirían notas y sugerencias sobre cómo mejorar lo que acababan de hacer.

Noémie empezó con un ejercicio que nunca olvidaré. En danza, una frase es una corta serie de pasos que se puede repetir. Cuando encuentres una frase que te gusta, repítela. Cuando todo música de fetiche joan jett para myspace mundo haga la misma frase, el ejercicio se acaba. Luego se veía que los bailarines habían elegido su frase, y casi inmediatamente después, un grupo de ellos ya había adoptado la misma frase. Habían empezado a copiarse, aunque solo en una zona de la sala.

El grupo de imitadores empezó a expandirse, a propagarse, mientras otro nuevo se formaba al otro lado de la sala. Oí un sonido extraño, bastante fuerte, como de viento corriendo y latiendo. No sabía qué era; parecía venir de todos lados y de ninguno a la vez. Nunca había oído un sonido como aquel. Me di cuenta de que era el sonido de cincuenta personas recuperando el aliento, aspirando y respirando, en una habitación cerrada.

Luego fue desvaneciéndose gradualmente. Para mí también formó parte de la pieza. Tras lo aprendido en la gira Rei Momo, decidí volver a la indumentaria blanca. Ensayamos durante un mes. Música de fetiche joan jett para myspace iba de una a otra. Dimos nuestro primer concierto en Easton, Pensilvania, en un viejo y encantador teatro restaurado de esa pequeña ciudad de pasado industrial. Bueno, no enloquecieron, pero tampoco pareció que el baile les disgustara.

La cosa pintaba bien.

Fuck-boss-video sex Watch XXX Movies Xxx Aloura. Etiquetas: varios. La escena lo necesita. Los de Chicago salieron hacia las h y con el pie torcido, el primer susto llegó cuando al vocalista Chad Cherry no se le escuchaba absolutamente nada, unos problemas de sonido que también hicieron mella sobre los dos guitarristas, Adam Arling y Johnny Wato , que inexplicablemente quedaban un poco tapados en comparación con el resto. Tras la fallida "Whatever Gets You Off" empezaron a recomponerse con "Raw Dog" y a la tercera canción la vencida, "Other Side", cuyo título parecía premonitorio puesto que con ella mejoró notablemente la situación. A penas hubo respiro entre tema y tema, el quinteto se despachó a gusto ofreciendo un buen repertorio de potente hard rock sleazy que animó bastante al personal. Sin duda, la mejor hora y cuarto aprovechada de todo el fin de semana. Etiquetas: The Last Vegas. Eso me pasó a mi. Un perfecto aliado, sin duda, que ejerce como quinto elemento haciendo de guía conductor en medio del aparente caos musical. Por muy extraño que pueda parecer, todo encaja y tiene coherencia, todo adquiere sentido con las sucesivas escuchas hasta que irremediablemente es imposible escapar al magnetismo que desprenden cada uno de los nueve cortes. Si quereis un billete de viaje, "Peer Amid" no garantiza la vuelta, pero sí la ida de olla también hacia un mundo tan maravilloso como desconocido. Era inasible. Y, la verdad sea dicha, sigue siéndolo. Imaginaos, tal como hizo el compositor Milton Babbitt, que solo pudierais experimentar un libro yendo a una lectura, o leyendo un texto mostrado brevemente en una pantalla. Evitarían complicarse demasiado y se esforzarían en crear una experiencia memorable. Afirma capturar exactamente lo que oímos, aunque nuestro oído no es fiel ni objetivo. Una grabación también es repetible, por lo que, para sus partidarios, es un espejo que refleja el aspecto que tenías en un momento concreto, una y otra vez y así sucesivamente. Los primeros cilindros de fonógrafo de Edison no eran demasiado fiables, y la calidad de la grabación no era muy buena. Edison nunca sugirió que se usaran para. No funcionaban con corriente eléctrica en la grabación ni en la reproducción, así que no sonaban muy fuerte comparadas con lo que hoy conocemos. Las ondas sonoras convergían y la membrana vibrante movía la aguja, que labraba un surco en un cilindro de cera giratorio. La reproducción invertía simplemente el proceso. Es increíble que funcionara. Tal como señala Murch, los antiguos griegos o romanos podían haber inventado un aparato como aquel, pues no requería tecnología que estuviese fuera de su alcance. No lo sabemos, pero es posible que en aquella época alguien intentara inventar algo similar y luego abandonara el proyecto. Es curioso cómo la tecnología y las invenciones nacen o fracasan por toda clase de razones que no tienen nada que ver con la habilidad, los materiales o la tecnología disponible en la época. Cada lote de grabaciones requería una nueva actuación. No era exactamente un negocio prometedor. Pronto vio que había obtenido un gran logro. En , cuando Edison mostró su nueva versión de un aparato que grababa en discos, estaba convencido de que, finalmente, había conseguido una reproducción completamente fiel del orador o cantante registrado. Bueno, si escuchamos esas grabaciones, hoy pensaríamos que Edison iba algo desorientado acerca de cómo de bueno era su artilugio, pero él parecía estar convencido de verdad, y consiguió persuadir a otros. Los nuevos fonógrafos Diamond Disc fueron promocionados por medio de lo que Edison denominaba Test de Tono. Hay una película promocional hecha por él, llamada La voz del violín curiosamente, promocionaba una grabadora de sonido con una película muda , que ayudó a darles publicidad a los Test de Tono. Al principio no ponía. También organizaba fiestas de Cambio de Humor! En este aspecto parece que no hemos aprendido demasiado —Kindles, iPads, Pro Tools, software de MS Office—: la lista de insensatez exclusiva es infinita. Consuela un poco ver que no es un disparate nuevo. El escenario estaba en penumbra. O eso decían. Podríamos preguntarnos cómo era posible eso. Bueno, para empezar, parece que recurrían a un truquito escénico. A los cantantes se les pedía que trataran de sonar como las grabaciones, que cantaran con voz ligeramente contraída y con un volumen bajo. El sociólogo H. Por derivación se podría inferir que hay toda clase de medios, no solo las grabaciones,. No hay duda de que nuestro cerebro puede restringir, y a menudo lo hace, el alcance de lo que percibimos, hasta el punto de que a veces no registramos cosas que pasan justo delante de nosotros. Los que dijeron que no lo habían visto no mentían: para ellos, el gorila no había aparecido. Las cosas inciden sobre nuestros sentidos, pero no siempre quedan registradas en el cerebro. Sir Arthur Conan Doyle estaba convencido de que lo que para nosotros es obvio que son falsas fotos de hadas, eran verdaderas hadas captadas en película. Creyó hasta su muerte que la foto mostrada abajo era verdadera fig. Así, el ojo y el oído de la mente es algo realmente variable. Lo que una persona oye y ve no es necesariamente lo que otra percibe. Nuestros órganos sensoriales, y por tanto nuestra interpretación de datos y nuestra lectura de medidas en instrumentos, son tremendamente subjetivos. Edison creía que la había. Yo diría que ambos tenían razón; ambas tecnologías colorean el sonido, pero de diferente manera. O sea, una especie de extensión de la idea de percepción grabadora de Bennet antes mencionada. Aquí tenemos, en resumen, la escisión ideológica. Por supuesto que no creo que los discos de Edison engañaran a nadie hoy día, pero las aspiraciones y los ideales divergentes respecto a la grabación persisten. Ese debate no se limita a la grabación de sonido. Un andamio sónico se ha mantenido, a pesar de que los materiales que lo componen han cambiado radicalmente. El cantante, por ejemplo, se ponía justo delante de la trompa de grabación, y cuando llegaba un solo de saxo, un ayudante lo apartaba y otro colocaba al saxofonista en su sitio. Y todo eso para un solo. Una sesión de grabación conllevaba un pequeño bailoteo concebido para que todas las partes clave fueran oídas en el momento apropiado. Las baterías y los contrabajos planteaban un gran problema para esos aparatos de grabación. De ahí que esos instrumentos se colocaran al fondo también, y en la. El contrabajo era a menudo suplido por la tuba, de frecuencias graves menos contundentes. Entonces, la primitiva tecnología de grabación no solo restringía las frecuencias que uno escuchaba, sino también qué instrumentos se grababan. Edison, mientras tanto, siguió manteniendo que sus grabadoras capturaban la realidad sin adornos. Mantenía, por supuesto, que sus grabaciones presentaban el sonido tal como verdaderamente era. El aspecto que se graba de nuestra voz es solo una parte de lo que oímos. He oído decir que las grabadoras de Edison no deforman tan escandalosamente como uno pensaría, y que, de hecho, oír la propia voz reproducida en un aparato de Edison suena, en realidad, menos extraña que en una grabación hecha con un micrófono. Así que podía haber una pizca de verdad en la afirmación de Edison, al menos en cuanto a la voz. Él decía que era como mirar en un espejo. Pero ahora yo empiezo a preguntarme si los espejos nos reflejan a nosotros, o distorsionan y deforman. Para captar el efecto tenías que escuchar las grabaciones con auriculares. Escuché varias de esas grabaciones y no me convenció. Las primeras versiones después de las que solo servían para grabar el habla permitían al usuario grabar sus propias actuaciones musicales. Este es un anuncio sacado de un ejemplar de Vanity Fair de para algo llamado Graduola: Para mis amigos y mis socios, y para mí también, he sido siempre, hasta hace poco, un simple empresario de mediana edad, vulgar e indiferente. El pasado martes por la noche estaba con mi esposa en casa de los Jones. Jones acababa de comprar un aparato: un fonógrafo. Pero aquel fonógrafo era diferente. Al oír las primeras notas me enderecé en la silla. Sonaba hermoso. Me acerqué a ver qué clase de cosa era aquel estilizado tubo que terminaba en una manivela [la Graduola]. Tenía un aspecto interesante. Entonces puso el disco otra vez. Al principio apenas me atrevía a mover el pequeño artefacto que tenía en las manos. Pero enseguida gané confianza. Una emoción profunda me hacía… temblar. Y con esa idea entreví las gloriosas posibilidades que me abría este estupendo nuevo fonógrafo[4]. Pronto llegó una avalancha de grabaciones de artistas de escuela y de salón, felicitaciones cantadas, cartas a los Reyes Magos y toda clase de actuaciones amateurs. Los primeros fonógrafos eran como YouTube: todo el mundo intercambiaba grabaciones de sonido caseras. Los compositores grababan incluso sus propias interpretaciones y luego se acompañaban con ellas. Al poco tiempo quitaron esa función. No estaba del todo loco, sin embargo. No obstante, la gente suele sorprendernos encontrando formas de crear usando cualquier medio disponible. Se iba apartando de la glorieta donde Sousa era el rey y entrando en el salón de casa. Para algunos, eso era horrible; era como beber solo, decían; era antisocial y psicológicamente peligroso. Por supuesto, el sonido no cambiaba, pero nuestra percepción sí: al no ver, oíamos de diferente manera. Dicho esto, a la mayoría de la gente le gustaba realmente lo que oía en la radio. Y ocurrió lo que, hasta cierto punto, Sousa temía: cuando ahora pensamos en una. Lo que originalmente era la simulación de una actuación —la grabación— ha suplantado a las actuaciones, y las actuaciones son ahora consideradas como la simulación. No era así, y no lo es. El perceptiblemente impreciso tono de un instrumento de cuerda sin trastes se podía compensar con esa pequeña oscilación. Sospecho que pasó exactamente lo mismo con los cantantes de ópera. Tengo algunas grabaciones hechas muy al principio de la era de la grabación, y el uso que hacían del vibrato era muchísimo menos frecuente que en la actualidad. O lo intentaron, por lo menos. Esto pasa también con bandas de pop y de rock. Cuando ves a alguien en directo, eres un poco menos crítico con los tropiezos de ritmo y afinación. Bueno, lo hacemos hasta cierto punto; el sonido de algunas salas no tiene arreglo. Escuchar la grabación de una actuación en directo que uno ha presenciado y de la cual ha gozado puede resultar decepcionante. Una experiencia auditiva, visual y social queda reducida a algo que sale de altavoces estereofónicos o de auriculares. Ha habido gente que ha tratado de salvar esas irreconciliables diferencias, y de ello han resultado extraños híbridos, así como maravillosos progresos. Su ambición declarada era servirse de la tecnología para conseguir que las composiciones sonaran mejor de lo que el compositor había concebido originalmente. Hay algo de presunción en esto, pero no creo que demasiados compositores se quejaran. En lugar de tener machacas como los de los primeros estudios de grabación, Stokowski reclutó técnicos de sonido para que movieran micrófonos de un lado a otro durante la grabación de orquestas. Stokowski comprendió —igual que los técnicos y editores de sonido de cine— que en una situación en directo escuchamos con todos nuestros sentidos, y que plantar un micro y esperar que capture lo que hemos experimentado es imposible que funcione. Stokowski identificó este fenómeno e introdujo modificaciones para ayudar a salvar esa brecha de percepción. En una ocasión propuso que un gran problema inherente a. Stokowski propuso que actrices esbeltas aprendieran a hacer playback con voces pregrabadas, para que la parte visual de la ópera finalmente se adaptara a las intenciones del compositor. Magníficos actores y actrices representaban los papeles y hacían playback con las voces grabadas de estupendos cantantes. A mí me pareció que funcionaba, pero ese enfoque no prosperó. Años después, guitarristas amateurs usaban grabaciones para descomponer los solos de Hendrix y Clapton de la misma manera. Con una grabación podías parar el tiempo parando el disco, o podías hacer que el tiempo se repitiera, reproduciendo parte de una canción tantas veces como quisieras. Lo inefable se ponía bajo control humano. Pero aprender de discos tenía sus limitaciones. Ignacio Varchausky, de la orquesta de tango de Buenos Aires El Arranque, cuenta en el documental Si sos brujo que él y otros trataron de aprender de discos cómo las viejas orquestas hacían lo que hacían, pero era difícil, casi imposible. Al final, El Arranque tuvo que buscar a los miembros supervivientes de aquellos grupos y preguntarles cómo se hacía. En el mismo documental, Wynton Marsalis dice que el aprendizaje, el recoger el testigo, se hace en el escenario; hay que tocar con otra gente, para aprender a base de observar e imitar. La historia y la cultura no se pueden preservar mediante la tecnología sola[8]. Empezaron usando un voluminoso grabador de discos. El hombre llamado Blue se levantó. Merecía ciertamente ese apodo, pensó Alan, cuando Blue se acercó a él. El hombre tenía la piel tan oscura que parecía azul marino. Nos gustaría oírla primero, pues no tenemos demasiados cilindros vírgenes. Solo la cantaré una vez. Tiene que pillarla a la primera. Mientras cantaba, miraba al encargado de la plantación. Al acabar recibió una gran ovación. Pero no había terminado. Le canto a usted y le hablo a usted, y espero que venga aquí y haga algo por nosotros, la pobre gente de aquí, de Texas. La voz rasposa de Blue emergió de la trompa entre el silencio general. Blue había comprendido el poder del sonido grabado, que podía viajar a lugares que a él le estaban vedados, y ser escuchado por gente que nunca iba a conocer, como el presidente de Estados Unidos. Los privados de todo derecho y los marginados podían ser escuchados gracias al nuevo aparato. A Alan Lomax le gustó la idea de que la grabadora resultara un medio que daba voz a los marginados. Hasta le hacía vestir con un peto en los conciertos, como si no tuviera otra cosa que ponerse. En realidad, Huddie prefería los trajes. Lomax quería mostrar lo bien que tocaba Leadbelly, pero no quería que sonara demasiado bien, demasiado refinado. Vio cómo la gente era desposeída de su propia voz y cómo arrasaban el panorama musical. Tenía razón. Si hago memoria, incluso canciones folk y de blues, algunas de ellas con siglos de historia, no se extienden interminablemente, y muchas de ellas no tienen demasiadas estrofas: así es como me explico la omnipresente canción de tres minutos y medio. Todo el mundo sabía por instinto qué hacer exactamente con ella y cómo convertirla en parte de su vida. Katz dice que a Adorno no le gustaba ese aspecto restrictivo de tiempo de la tecnología de grabación. Adorno dice que nuestro período de atención musical se redujo como respuesta a la duración limitada de las grabaciones. Una especie de trastorno por déficit de atención de escucha apareció, y hemos acabado esperando que todo lo musical esté desmenuzado —atomizado— en partes de tres o cuatro minutos. Volveré sobre estas nuevas tendencias en otro capítulo. En una grabación, las diferencias de volumen entre las partes fuertes y las suaves también debían minimizarse. Es normal que muchos pensaran que la aspereza y la imprecisión fueran valores positivos; representaban la autenticidad y una resistencia a la apisonadora comercial de la uniformidad. La Sonata para piano de Stravinsky tenía cuatro movimientos, que él compuso para que cada uno encajara en la cara de un disco. Se criticó a algunos compositores por escribir transiciones desgarbadas, cuando en realidad solo eran culpables de no hacer concesiones de creatividad para adaptarse al nuevo medio. Esto no funcionaba para todos. Daba a entender que había todo un mundo de gente que vivía de una forma diferente y tenía valores diferentes de la gente que yo conocía en Arbutus, Maryland. No me sorprendería nada que las composiciones de Milhaud hubieran sido escuchadas luego por posteriores compositores de jazz, completando así el círculo. Muchos de esos cantantes norteamericanos nunca tuvieron la oportunidad de actuar en Liverpool o Manchester aunque unos pocos estuvieron de gira por el Reino Unido , pero sus grabaciones llegaron a donde ellos no pudieron. Lo que hacían me sonó completamente original, y naturalmente me inspiró, igual que a ellos antes. El proceso no se detiene nunca. Se convierte en su propio contexto. Como si esa realidad suplantara nuestra realidad vivida. Todos los estudios querían sonido. ERPI , para sonorizar teatros, no solo en Norteamérica, sino en el mundo entero. En mi versión de los hechos, las habilidades que estaban desarrollando eran casi místicas, pues se estaban ejercitando en oír cosas que el resto de nosotros no distinguiría, o en percibir sonidos que nosotros solo oiríamos subconscientemente. Pero, igual que en las explicaciones de Holmes, todo parecería elemental una vez que nos fuera revelado por el maestro de ERPI. Leer Video. Nacido para perder, vivió para ganar, matado por la muerte. Diego Urdaneta. Cristian Herrera. Lucas Garófalo. Drew Schwartz. Leah Dolan. Toda vuestra producción es en castellano. Nos han pedido que regrabemos en inglés la obra entera para editarla fuera, pero es algo que de momento hemos aplazado, como mínimo, para el próximo año porque estamos centrados en España y Latinoamérica principalmente. Hay que ir poco a poco, es algo que nos ha enseñado la experiencia. Hemos notado que hay varios grupos españoles, como vosotros, que tienen en mente editar discos sin dejar mucho tiempo entre uno y otro, y girar de forma continua. Hoy día hay que tocar mucho. Esto es algo que nos encanta, sinceramente, porque hacemos lo que nos gusta y estamos con la gente, que sin duda son lo mejor de todo este rollo. Hay muchos: La crisis influye a lo bestia, sin duda; eso, y que hay muchísimas bandas. Aun así, damos las gracias a toda la gente que nos viene a ver porque somos conscientes del esfuerzo que supone. Después haremos algunos conciertos de verano y en septiembre anunciaremos nuevas fechas, al mismo tiempo que editaremos en tiendas el disco doble en edición especial que antes hemos comentado. Eso es algo muy grande para nosotros porque es nuestro premio realmente. Cuéntanos algo gracioso que os haya sucedido. Recuerdo el concierto en Valencia -y pido perdón a los asistentes, je, je…- Aunque la gente lo pasó genial y nosotros con ellos también, es cierto que fue un concierto algo accidentado, je, je… Que no falte la educación. Sois lo mejor. Los abulenses han sacado ya la segunda parte de su tercer compacto. Contiene siete canciones enérgicas y llenas de potencia con guitarras muy melódicas y con mucha fuerza, acompañas con esas voces que tanto caracterizan a esta impresionante banda de buen Heavy Metal. La batería de Miguel da mucho juego, así como los buenos solos de guitarra. Merece mucho la pena escuchar esta joya del Heavy español con estilo propio. David Casero. Y se pone a cantar : -Coco guagua, coco guagua… Letras divertidas e irónicas llenan tus canciones. Por eso esa portada, me hago un retrato de mí mismo y mi entorno. En esa grabación yo simplemente oí ruido con algo de fondo, pero podía ser cualquier cosa, no sé, un eructo, un gemido de un vecino que en ese momento estuviera haciendo uso de los placeres Ya tienes una banda completa que te puede apoyar en directo. Tocar, no sé si tocan, pero a cachondos no les gana nadie. Quería hacer algo especial y en ello estamos trabajando. Pero no, descartado, que si me mato, me muero, y luego mi madre se enfada conmigo y me castiga sin ver la tele. Ja, ja… Macho, no puedo contigo, esto tiene que acabar ya. El resultado lo podéis escuchar en el disco y la verdad es que no paramos de tener felicitaciones por ello. Wafis bajista : -Nuestra carrera lleva un balance bastante positivo. Niño guitarrista : -La mala leche siempre surge de nuestras venas, somos de los que nunca olvidamos de dónde procedemos y quiénes somos. Para Matando Gratix, banda humilde, ha llegado la hora de la metamorfosis, siguiendo dando caña pero con mucho gusto, siendo rebeldes desde que nos parieron, auténticos porque nosotros somos así, de ley, y, dentro de nuestro estilo underground, haciendo un Punk con mucho gusto, con influencias anglosajonas, un Rock and Roll exquisito de las vertientes del Misisipi, y con una base influenciada por el Rock nacional. Óskar guitarrista : -Nosotros no sólo estamos contentos, sino orgullosos. Pero nuestro directo habla por sí solo, es el sonido que tenemos realmente, el que transmite ese buen rollo, muy profesional, que destroza a todo aquel que viene a nuestros conciertos y no puede parar de bailar, sin tapujos ni playbacks. Lo peor sería el sonido de ambiente, que es escaso. Lo mejor: la fusión de la banda sobre el escenario. Total, que estamos contentos por parir un nuevo hijo y descontentos por no haberlo grabado en el Madison Square Garden. Carli says:. Concuerdo plenamente con lo que menciona Margot T. Dani Boop says:. Negra says:. Claudits says:. Daniel D. Nycteris says:. Victorialand says:. Carla says:. Gina G says:. Camii says:. La finlandesa ex vocalista de Nightwish resume por partes iguales una belleza física exótica y una voz como para alquilar balcones. Desde su alejamiento en no muy buenas condiciones de la banda que la vio nacer artísticamente, Tarja Turunen recorre su camino solista desde Buenos Aires, donde reside desde hace algunos años a partir de una relación sentimental con un empresario local. Metal local Desde la producción local, y si se habla de diosas hard o metaleras, la mención histórica es para Patricia Sosa, que desde La Torre llevó masividad a riffs frenéticos y escalas vocales sostenidas. De la nueva camada, y para seguirla, hay que poner el ojo en Luciana Segovia, la bella cantante de Cirse. Las mejores, lejosssssss. Es una idola, tiene la mejor voz!.

Y mejoró. Yo también, cuando podía, me unía a ellos, lo cual me producía puro éxtasis, pero mi interacción estaba limitada por mis tareas de cantar y de tocar la guitarra. Aun así, ellos se convirtieron en parte del todo, no eran un segmento añadido.

Algo así como un mundo ideal en microcosmos. La prueba en las afueras fue en cierto sentido un fracaso. Ese aspecto de música de fetiche joan jett para myspace. Pocos minutos después de terminar cada concierto, alguien nos decía que varios temas ya habían check this out en la red.

A disfrutarlo y feliz fin de semana!!! Etiquetas: samplervarios. Etiquetas: agenda conciertos. The Fleshtonesincombustible y mítica formación de N.

Etiquetas: agenda conciertosThe Fleshtones. Se supone que este tipo de reformas van enfocadas a reducir el desempleo, sería lo lógico, pero aquí la lógica brilla por su ausencia y nuestros queridos gobernantes tienen claro que eso pasa directamente por subir los impuestos y facilitar a los empresarios el despido, o reducir el sueldo a sus trabajadores.

Esos por los que tanto lucharon nuestros antepasados y generaciones anteriores a la mia. Y me refiero a un trabajo digno, no esa mierda que nos quieren vender como solución. Lo se, no es una pregunta sencilla. Cualquier pequeño gesto puede ser importante, empezando por solidarizarte con quien tienes al lado.

Volviendo al tema musical, que es realmente lo que nos ocupa y esperais vosotros cuando visitais este espacio, hoy recupero "Chickenfoot III" Increíbles desde el primer momento con una puesta en escena que despedía buen rollo creando un ambiente genial. Punteos y solos que hacían derretirse a los melómanos del género, y el frontman Paco Santolaya ponía voz rasgada y limpia indistintamente haciendo una mezcla increíble. Se notaban sus muchas tablas en los escenarios.

El sonido fue bastante this web page. Rodrigo Trigo. Un disco muy homogéneo de principio a fin, que en absoluto se hace pesado de escuchar; al contrario, a medida que descargan sus temas hacen que el oyente quede prendado del puro Metal que desprenden. Y redondean el disco con esa homogeneidad que mencionaba, que en directo se traduce en cabeceos y pogos sin descanso. Https://rss-t.tocall.xyz/wiki-2019-10-03.php es el principio y espero que sepan continuar este camino después de haber empezado con tanta fuerza.

Incansables son siempre Cripta, ante mí han vuelto a triunfar. David Carabias. Con el añadido las guitarras suenan como nunca, los arreglos música de fetiche joan jett para myspace cuidados del excelente trabajo en los controles de Alberto Seara y Carlos Escobedo, que suben un escalón a la estupenda producción realizada por Manolo Arias en anteriores entregas.

Fran Llorente. XXL — Tercer día Indep. Después de dos discos con multinacional, la trayectoria de XXL parecía haberse difuminado en una bruma de dudas. Se música de fetiche joan jett para myspace de un grupo en período de gestación.

A pesar de ello, demuestran que son una banda con mucho futuro. Hoy es un género manido con una tendencia a defraudar. Afortunadamente grupos como Leaves rompen esta tónica con buenas ideas. Y como al final nada es ni blanco ni negro, los fans agradecemos mucho tener este trabajo en read more manos.

Yo, personalmente, animé en incontables ocasiones al autor a publicar estas canciones, a vestirlas click la posteridad y a no dejarnos ayunos de tamaño material. Letras punteras y un vozarrón para tirar cohetes.

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Nueve canciones para desafiar las incertidumbres. Han conseguido una madurez musical inusitada. El salto cualitativo es innegable. Gran culpa de esta mejora reposa en la guapísima Isabel Marco Bisbal, que como segunda voz ofrece equilibrio, fuerza y sentimiento.

Y es que el compacto sólo lo componen siete cortes, pero dan para mucho. Lo van a tener complicado para superarse pero, si mantienen esta línea a lo largo de toda la trilogía, estaremos ante un trabajo sólo al música de fetiche joan jett para myspace de unos pocos que se convierte en imprescindible para cualquier amante del Rock en castellano. Este Música de fetiche joan jett para myspace va dedicado a ti, y completo, que antaño sólo eran cachitos en la distancia.

Démonos todos besitos. En cuanto salga de la imprenta, me la llevo al bingo, que ya la dejan entrar. Gracias también a Recover, Wurdalak y Cardiac por los detalles que. Con eso nos quedamos de este lujoso lanzamiento de la banda señera del Metal de ikurriña. La realización es digna de Goya al mejor documental de no ficción. Cual vascos herméticos y contenidos que son, aquí no hay ni títulos de crédito de entrada ni florituras de ninguna clase, sólo una banda dando cera ante sus amigos de Facebook, que al parecer son muchos y de edades muy diversas.

Gran descubrimiento. JO says:. Cristina says:. Dolly says:. No dejes de leer. Welcome Back! Login to your account below.

Diosas del metal

Forgotten Password? Create New Account! Fill the forms bellow to register. All fields are required. Read more In. Es mi humilde opinion. Nos vemos historias de prisión de mujeres maduras sexy el pogo. Hay muchas vocalistas femeninas que han ido surgiendo en los ultimos años, entre ellas recomiendo a Sharon den Adel de Within Temptation, banda holandesa que no tiene nada que envidiar a las demas.

Personalmente considero que una buena voz debe ir acompañada de Buena Musica! Por lo tanto a muchas de estas vocalistas las hemos podido apreciar por la combinacion exotica de su voz con la fuerza del metal.

Fijese, amigo No entiendo el racismo, y nunca lo he considerado como una opción. Arrepentirse de algo no tiene sentido. Es muy tarde para arrepentimientos. Has vivido tu vida. No tiene sentido desear que la pudieras cambiar. Tuvo sólo dos hijos que él supiera : Sean y Paul, ambos nacidos cuando él era apenas un adolescente; no tuvo relación alguna con Sean, pero fue muy cercano a Paul, con quien se reunió después de décadas de estar alejado. Su amor por el speed, whiskey y su mal comportamiento en general nunca menguaron, incluso cuando bajó su consumo de drogas en los noventa, y sus doctores recientemente le pidieron que le baja a su consumo de Jack Daniels.

Sexual encounters in Gangneung. El simple hecho de ello era absurdo —que un fenómeno musical que tiene décadas, y que forma la espina dorsal de una gran parte de la cultura popular, y algo que es adorado por el underground, podría tambalearse, o desaparecer por completo. Ese es el tipo de cosas que dice al aire Gene Simmons, no la realidad. Y entonces, un día fue a ver a los Beatles en el Cavern Club, y su destino quedó sellado a la edad de Motörhead borró las líneas entre los novatos géneros del heavy metal y el punk de una manera en la que ninguna otra banda lo había hecho antes —tomando el indiscutible poder de los riffs veloces, el cuero negro, y mucha pinche música de fetiche joan jett para myspace.

Motörhead no sólo escribía canciones —ellos escribían himnos. Nunca lo conocí, pero pude darle la mano y tomarme una foto con él, y la verdad significó todo para mí —como también música de fetiche joan jett para myspace significó para miles de otras personas con las que fue lo música de fetiche joan jett para myspace amable de compartir su tiempo a lo largo de su vida, como con los amigos y compañros de banda con los que pasó su vida tocando, tomando y riéndose.

La gente se podía relacionar con ello, y lo amaban por eso. Como cualquier estrella de rock, no era extraño de las controversias. El interés de Lemmy article source la historia, la política y la filosofía se filtraba a sus letras, y su ronco gruñido narraba historias de sexo, muerte, historia, guerra y un odio profundo contra la autoridad.

Las entrevistas que le hacían estaban salpicadas de sus observaciones sobre el mundo como lo conocemos, y nunca fue alguien que moderó sus palabras, especialmente cuando lo retaban. Simplemente me gustan esas garras. Siempre me han gustado los buenos uniformes, y a lo largo de la historia, los malos siempre han sido los que mejor se visten: Napoleón, los Confederados, los Nazis. No entiendo el racismo, y nunca lo he considerado como una opción. Arrepentirse de algo no tiene sentido. Es muy tarde para arrepentimientos.

Has vivido tu vida. No tiene sentido desear que la pudieras cambiar. Tuvo sólo dos hijos que él supiera : Sean y Paul, ambos nacidos música de fetiche joan jett para myspace él era apenas un adolescente; no tuvo relación alguna con Sean, pero fue muy cercano a Paul, con quien se reunió después de décadas de estar alejado.

Su amor por el speed, whiskey y su mal comportamiento en general nunca menguaron, incluso cuando bajó su consumo de drogas en los noventa, y sus doctores recientemente le pidieron que le baja a su consumo de Jack Daniels.

Entonces, empezó a tomar vodka. Trabajaban duro, y Lemmy se rehusaba a darse por vencido, incluso cuando su salud empezó a fallar. No estoy muy viejo, y música de fetiche joan jett para myspace que decida que estoy muy viejo nunca estaré muy viejo. Pero el fuego sobrevive, y Lemmy vive en los corazones de todos. Casi al final de su vida, los problemas de salud, rumores, cancelaciones de conciertos y las fotos de él viéndose exhausto empezaron a ser el pan de todos los días, y algo que sólo generaba temor a lo inevitable.

Los medios observaban cuidadosamente cada paso que esas botas de vaquero tomaban, y el equipo publicitario de la banda trabajó a marchas forzadas para asegurarnos a todos que nuestro ídolo estaba bien. Cada día se sentía como un juego de Ruleta Rusa, y cada vez que se bajaba del escenario era como hacer un volado. Era un dios, pero uno al que siempre le querían invitar un trago —y lo mejor era saber que si ibas al Rainbow a la hora adecuada, y llegabas a la esquina derecha, podías hacerlo.

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Parecía algo imposible —hasta que dejó de serlo. Nunca nos podemos preparar realmente para la pérdida de un héroe, pero desafortunadamente es algo en lo que no podemos música de fetiche joan jett para myspace.

Lemmy era una persona directa, y un hombre honorable —lo que siempre quiso ser, y lo que al final terminó consiguiendo. Durante el10 de cada 12 muertes relacionadas con la isotretinoína fueron suicidios.

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